这是什么画?

2015年1月,在重庆黄桷坪首届艺术节上,画家李壮平展出了《东方神女山鬼系列》油画作品,本是平平无奇的一组画作,后来经过当地媒体曝光,大家才知道画中那位典雅脱俗的“女神”竟然是老画家的亲生女儿。

父亲、女儿、裸模,几个词组合在一起,极大的触动了很多人的神经,100年前,画家李海粟画了中国第一幅裸体人物画,冲击了当时国人的神经,当时被骂为艺术叛徒,100年后李壮平和他的女儿李勤与他们的油画《东方神女山鬼系列》注定是当年最惊人的事件。


李壮平,生于1948年,作为画院院长、艺术院校的教授,他潜心作画数十年,对国画、油画深有研究,但也只是在当地有些名气,一直没有闯出大名堂。女儿李勤毕业于四川美院,受父亲的影响,最终走上了艺术创作的道路。

李壮平的这幅作品《东方神女山鬼系列》的创作灵感来自《楚辞 九歌》,是中国神话传说中的一种远古歌曲,战国楚人屈原在楚国民间祭神乐歌基础上改编而成,大多是人神恋歌,《九歌》共有十一篇,《山鬼》就是其中的第九首。

屈原说,山鬼是“身披石兰腰束杜衡”的窈窕少女,驾乘赤豹后跟花狸,前往与情人幽会,很多的画家都从山鬼中获得创作灵感,李壮平也一直在筹划山鬼系列作品。


在寻找模特的过程中,他将目光落到了17岁的女儿李勤身上,“我的女儿出生在重庆,她长大了,又酷爱艺术,她的形体和天生丽质,就是我要塑造的巫山神女的形象。”,当正在读高三的李勤听到父亲的想法后,她当场就拒绝了,让女儿给父亲当人体模特,这像什么话!虽然出身艺术世家,但是她一时还接受不了,就连拍艺术写真她都不敢,何况是人体模特。

半年后,李勤考上了四川美院,第一次看到人体模特的她非常紧张,随着学习的深入,他逐渐明白了父亲的想法,于是主动提出要和父亲一起完成这幅作品,刚开始时,她简直不敢想象自己有多尴尬,但是很快克服了心理障碍。

李勤说“别人让我当摄影模特,我都不敢,但是父亲是一个正直的人,让我有安全感,为艺术,尤其是为父亲的艺术献身是一件很纯洁的事儿!”


于是,父女二人整整画了5年,创作了30多幅作品,作品完成后,李壮平将作品拍成照片,做了一本画册,由四川美术出版社出版,同年,父女二人带着出版的画册,参加了重庆黄桷坪首届艺术节,很快就轰动了全国,虽然已经有了思想准备,但是舆论还是像洪水猛兽一样涌向他们,一篇名为《父亲让女儿做裸模可敬还是可耻?》的帖子转载率最高,网友称,画家找裸模没有异议,但是不能不顾传统的伦理道德,把女儿当成创作工具,还有人干脆怀疑李壮平是借此炒作,这让李壮平父女感到了前所未有的压力。

而李壮平则表示,让女儿当自己的裸体模特,从没有在伦理上进行考虑,创作时,一切就像小时候他给女儿洗澡一样,女儿9岁就开始学画,自己有意不让她和外界有过多的来往,女儿身上冰清玉洁的气质,特别符合作品的精髓。李壮平的爱人表示,父女俩创作时,她经常在一旁欣赏。


而作为女儿的李勤自从网上被大量报道后,她就很少迈出家门,包括春节也没有出门串亲戚,看到不好的言论经常哭。

李壮平感到对不起女儿,“最让我哭笑不得的是,我们的事儿居然还上了一本国外的色青杂志。”,虽然郁闷,但是李壮平还是很乐观“好在不少职业画家和美院教授一直在鼓励我们,因此我应该坚持下去。”。

这里就包括著名美术批评家、四川美院教授王小箭的评价“在我们艺术圈里,有让妻子做模特的,但拿自己亲生女儿做模特的,还是第一次看到,这需要突破的不仅仅是一般的社会观念,还要冲破伦理、道德的重重藩篱。李氏父女合作创作《巫山神女》这样唯美的油画作品,实在让人感动。”


有没有毁三观、违背伦理,这里不过多解释,每个人都有自己的理解,但是只要他做的,对社会没有危害,我们大可不必如此愤世嫉俗,每个人都有自己活着的道理和想法。

李壮平否认炒作一说,不过他透露,找他买画的人很多,但自己的《东方神女山鬼系列》30多幅作品不打算卖,“我想今后建一个东方神女博物馆,作品全在里面展出,如果非要给我的作品标价,我想肯定是和陈逸飞作品一个档次的,至少要7位数。”

随后的几年里,这件事逐渐淡化,人称神女的李勤也恢复了往日的青春靓丽,李壮平也开始潜心绘画,两年后的“虎跃盛世——中国书画名家画虎作品展”上,李壮平父女的“东方神女”山鬼系列中的作品《星空》标价800。


父女二人又继续创作了《海上女神》系列、《南海观音》、《海神妈祖》等,他们的一幅油画《任何困难都难不倒英雄的中国人民》,专家估价1800万,李壮平无偿捐赠给了四川博物院,如今,李壮平父女的油画一幅标价高达800万。

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他不仅定义了波普艺术,还道破了传统艺术家们最不愿承认的事儿:艺术可以流行,还可以做得很商业。

他是谁:安迪·沃霍尔(Andy Warhol,),美国波普艺术的代表人物。

好奇心:为什么汤罐头不能成为艺术创作的内容?画可口可乐瓶难道就不是艺术了吗?

“在 60 年代,每一个人对每一个人都感到兴味盎然。在 70 年代,每一个人开始抛弃每一个人。60 年代吵吵嚷嚷,70 年代空空荡荡。”

说这话的人,正是那个在吵嚷的 1960 年代,引领起一场波普艺术革命的人。但他对 1970 年代的描述,似乎又不那么准确了。至少,就他自己而言,他从未被 1970 年代所抛弃。他从未被任何时代所抛弃。

在美国 1950 - 1960 年代的艺术家里,他是最早对艺术和商业的关系直言不讳的人,“商业艺术是艺术的下一个阶段。”

这句话,站在当时来看是预言;站在现在往回看,却更像是他的处心积虑。所幸的是,他遇到了一个好的时代。

在沃霍尔所活跃的 1960 年代初期,美国几乎有一半的人口,年龄在 18 岁以下——那是年轻人的时代。1950 年代摇滚乐和黑白电视剧带来的精神释放,已经不能满足他们。这些人一边反对保守、对固有文化保持质疑或不屑,一边享受着 1960 年代初彩色电视机带来的新鲜感,以及电影、广播、小说等流行文化衍生出的生活方式。他们的胃口正变得越来越大。

艺术家罗伯特·劳森伯格和贾斯培·琼斯首先站了出来。他们反对达达主义所崇尚的“虚无主义”,想方设法在艺术和生活之间建立联系。于是,人们在艺术作品里看到越来越多生活中的日常用品:流行的快速消费品先是被拍成照片,然后通过丝网印刷技术跃上画布。

罗伯特·劳森伯格的 《床》, 画布上挂着睡袋和枕头,并布满了五颜六色的颜料

沃霍尔最先捕获了这个潮流,开始用丝网印刷技术进行大批量的绘画。在此之前,他一直是个商业画家,专门绘制广告画。

1962 年,他创作的《金宝汤罐头》(Campbell’s Soup Cans)在洛杉矶展出,它包括 32 块帆布,每一块都画上了一个金宝汤罐头,使用半机械化的丝网印刷技术完成。这个现在被看作是沃霍尔代表作的作品,在当时的反响却很一般。反而是这场展览所引发的关于“沃霍尔到底是不是一个艺术家”、“《金宝汤罐头》是否有艺术价值” 的讨论,让当时还没什么影响力的沃霍尔成为了艺术圈里的谈资。

安迪·沃霍尔的《金汤宝罐头》

沃霍尔本人是不怎么在意这种讨论的。他相信属于他的艺术时代即将到来。他相信,商业社会加速了消费品的同质化,也把阶级给抹平。而流行文化正是商业社会里最具魔力的东西,无孔不入。

“有钱人和你喝一样的可乐、吃一样的热狗、穿一样由国际女装工人联合会生产的衣服、看一样的电视与一样的电影。” 沃霍尔说。

既然生活都已经不分阶级,又为什么要把艺术区别对待?

后来,他用一样的方法创造了以可口可乐、玛丽莲·梦露、伊丽莎白·泰勒为主题的作品,全都是关乎当下或流行的主题,要么就是生活当中最平常不过的东西。

他改变了艺术的内容,也改变了艺术创作的过程。为了加快创作的效率,他干脆雇佣了助手,让他们完成作品中的环节,自己只在最后签个名。整个过程就好像工业生产的流水线。

“沃霍尔画什么根本不重要,因为他的客户只看得见他的签名。” 艺术评论家。

1964 年,沃霍尔的《金宝汤罐头》单幅作品售价 1500 美金。这触动了他的艺术家同行,也在社会上掀起一场关于艺术价值的讨论。在一些人看来,沃霍尔的作品欠缺技巧,只是在卖弄概念,把“流行”当作自己的挡箭牌。

但这种“卖弄概念”的做法,沃霍尔之前就有人干过了——杜尚和他的那只马桶,曾让整个艺术圈吵得不可开交。但沃霍尔之所以空前绝后,是因为他不仅创造了概念,还是把这种概念普及给全世界的人:平常的东西,为什么就不能流行?他定义了波普艺术,这定义本身又变成了更具价值的东西。后来者杰夫·昆斯,达明安·赫斯特,或者村上隆,哪一个不是这个基础上的再发展?

他还不停地出现在大众媒体的聚焦之下,为的是保持永久的曝光度。这种自我宣传在四五十年代的艺术家看来,是不可想象的。

丝网印刷之后,他涉足电影、电视、雕塑、音乐,还创立了杂志《访谈》(Interview)。但他一点不满足。他说他非常嫉妒李维·斯特劳斯,因为他发明出了能大量生产的牛仔裤。

“我想我可能是全世界最善妒的人之一。如果我的左手画出美丽的图案,我的右手便满心嫉妒。如果我的左腿跳出优美的舞步,我的右脚就开始嫉妒。”他的嫉妒让他停不下来。

1987 年,他死于突发性术后心律不齐。今年六月,沃霍尔于 1962 年创作的《一块钱纸币》以 2000 万英镑的价格售出。时代什么时候抛弃过他?

这是 “50 个有好奇心的人” 系列,我们将介绍:,,艾萨克·阿西莫夫, ,亨利·卢斯,,约翰·亨德里克斯,,,,盛田昭夫,,诺兰·布什内尔,,乔治·伊士曼,,,冯·诺依曼,拉里·佩奇,,戈登·摩尔,安迪·沃霍尔,,“中本聪”,,,,保罗·史密斯,,萨奇兄弟,查理·芒格,,,林纳斯·托瓦兹,,马克·安德里森,埃德温·兰德,,,,哈利·厄尔,蒂姆·伯纳斯·李,,雷蒙德·达马迪安尼古拉·特斯拉,,,吉姆·克拉克,霍华德·休斯,。名单可能会继续扩充,如果我们发现了足够了不起的好奇心。 

客厅装饰画挂什么好?一个家庭的品味内涵,看他家客厅装饰画就可以知道个七七八八。客厅的重要性,无论是在古代还是在现代,客厅都是一个家庭的重中之重,为什么这样说呢?

客人来串门,进入你家客厅和你畅谈,这个时候,你希望你家客厅是什么样子的?简约大气?富丽堂皇?温馨舒适?每一个场景都透露出了你的审美、品味、阅历、档次,都代表了一种生活态度。而在这当中,客厅装饰画就起了很大的作用,要不怎么总是有人说,“家中无字画,便是俗人家”。

既然客厅装饰画对于一个家庭来讲如此重要,那客厅装饰画挂什么好?该如何选择呢?本文为大家展示画家许宜锦花鸟画佳作。

许宜锦花鸟画《竹报平安》作品选自:聚艺上品

竹为高雅之物,被众多诗人称赞,“咬定青山不放松,立根原在破岩中。千磨万击还坚劲,任尔东西南北风。”这是郑板桥对竹子品质的高度赞美。

竹子被认为是中华美德的物质载体,它笔直向上,空心有节,四季常青,是高洁君子的象征。家中客厅悬挂一幅许宜锦国画竹子是极好的,因为竹是美的,长在哪里,便给哪里带来超凡的风韵;生在哪里,便给哪里染上平安吉祥。

许宜锦花鸟画《紫气东来》作品选自:聚艺上品

唐朝诗人李白曾有诗云:“紫藤挂云木,花蔓宜阳春,密叶隐歌鸟,香风流美人。”

紫色给人高贵、典雅、祥瑞之感,一直是人们很喜欢的挂画色彩。而国画紫藤图,绘盛开的紫藤花束,紫中带蓝,灿若云霞,故寓意“紫气东来”,将许宜锦老师手绘紫藤画挂在墙上,不仅有祥瑞之兆,还给人生机盎然、欣欣向荣的景象。

许宜锦花鸟画《田园风光无限美》作品选自:聚艺上品

志行高尚、风格儒雅是很多人追求的境界,在繁华的都市中,你是否也想拥有一片宁静之地,那不妨考虑在自家室内悬挂这幅赏心悦目的国画四条屏。

许宜锦老师这幅国画四条屏,水墨间酣畅淋漓,轻轻点缀、淡淡勾勒,紫藤、菊花、天竹红、荷花、岩石、燕子等种种自然之物,通过许宜锦老师之笔,绘制成了一幅幅美丽的画卷,画面的颜色较为柔和,灵动清新,意境凸显,画面中展现一种清秀之气,具有比较高雅的恬静之气,挂在室内墙上令人赏心悦目!

许宜锦国画四条屏《梅兰竹菊》

客厅装饰画挂什么好?一幅画面脱俗,寓意美好的花鸟画挂在家中客厅,让家人在欣赏国画花鸟画艺术佳作的同时,又为家庭传递了一份吉祥和美好,家人们时长赏读品阅,还能提升自身的文艺气质。

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