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&&&热门城市&热门城市&科陶德艺术学院
科陶德艺术学院
Courtauld Institute of Art
性价比：4&
建议游览1小时
2010-6&出游
在Somerset House里面，学院第一代创始人收集了很多印象派名家作品，有马奈最经典的印象派作品吧台女郎（A Bar at the Folies-Bergere)。 美术馆不免费开放，门票六英镑左右，不过有学生证好像只要1磅。虽然画很好，但是灯光很暗，很暗。印象派的画放在如此昏暗的灯光下，真是不能忍！！！明明室外伦敦难得的晴天！
地&&&&&&&&址：
Somerset House, Strand, London WC2R 0RN
类&&&&&&&&型：
游玩时间：
建议1-2小时
电&&&&&&&&话：
官方网站：
http://www.courtauld.ac.uk/index.shtml
开放时间：
科陶德画廊开放时间10:00-18:00，最后入场时间为17:30。
门票信息：
门市价：7.0英镑起
科陶德画廊永久收藏+小型展览门票：成人7英镑，老年人6英镑，学生、失业人员及持国家美术通行证者免费。科陶德画廊永久收藏+临时展览门票：成人8.5英镑，老年人7.5英镑，学生、失业人员及持国家美术通行证者4英镑。
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每个人的心中都有一座巴黎，它是启蒙运动中敢于求知的理性担当，是长风衣下摆轻拂脚踝的优雅，是埃菲尔铁塔的光影倒映河面的浪漫，但这些还远远不够。如果你曾流连塞纳河畔的旧书摊，见过那些色彩明艳、舞裙翻飞的老旧海报与明信片，就会隐约感知到，撇开种种附加的标签，19世纪的巴黎，曾是世界的中心。19世纪后半叶的那段时光，是西方历史上的黄金时期，科学迅猛发展，国家和城市迅速建立。财富剧烈增长的美国正处于马克·吐温笔下的“镀金年代”，工业革命给英国带来了快速增长的人口和高度发展的社会。在法国，1889年的世界博览会给世人带来诸多奇观，包括日后成为法国地标的埃菲尔铁塔的剪彩落成；卢米埃兄弟在巴黎咖啡馆的地下室里放映了世上第一部电影；新艺术运动崛起，巴黎的地铁入口染上了生机勃勃的阿拉伯风曲线装饰；梵高饮弹自尽，死后作品才惊艳了世人；一战尚未到来，世人在短暂的和平盛世中喘息享乐。这就是法国历史上的“美好年代”(Belle ?poque)。同一时代，法国最知名的夜总会“红磨坊”，在巴黎十八区的蒙马特高地的山脚下开门迎客。描绘美好年代的艺术海报，1894新艺术运动代表建筑师Hector Guimard设计的巴黎地铁入口Abbesses站，曼妙的植物曲线。彼时的蒙马特高地，已从研磨了400年谷物的磨坊区，变作波西米亚艺术家们生活与创作的温床。便宜的房租，自由漂泊的心灵，生机勃勃的氛围与谈资，俯拾即是的艺术家友邻们。坐落在山顶的圣心大教堂所散发出的肃穆的神性，也震不住底下汹涌流动的人的气息。那种气息是雷诺阿的画中景，1876年，雷诺阿租住在蒙马特区的科尔托街12号，画出了印象派名作《煎饼磨坊的舞会》，工薪阶层的巴黎人身着盛装，在一个悠闲的星期日下午聚在蒙马特，跳舞、喝酒、吃脆饼，直到暮色四合。日子被看似闲散随意地浪费掉，却因肢体和肢体、心灵共心灵的碰撞，而源源不断地生发出艺术创作的灵感来。毕加索也是在这里创作出立体主义的催化剂《亚维农的少女》，虽然画的是西班牙的少女，可那不安涌动着的气氛与呼之欲出的生命力，分明是世纪之交时，蒙马特高地的寻常神色。Pierre-Auguste RenoirDance at Le moulin de la Galette, 1876Pablo PicassoThe Young Ladies of Avignon, 1907今日的蒙马特高地，被稀释的宗教性与艺术性汇聚而成一股熟悉的生机。在地域宽广却人情淡漠的大都会巴黎，蒙马特的存在反而营造出一种热腾腾、喜洋洋的“乡村景观”，每个人都是艺术家，每一天都像在过节，人与人彼此熟识，互相串门，把欢乐与美奉为毕生追求。鳞次栉比的艺术家工作室、咖啡厅、音乐厅和夜总会，亲亲密密地挨在一起。1889年，夜，巴黎。夜幕降临后，好戏开场。从半透明晚礼服上的血红色的泡沫里掷来的裸脚、大腿、臂膀和野兽扑向我。晚礼服上的长须和白汗衫及礼帽上弯曲的鼻子在大厅中连成一线，他们的手牵成一条长藤......我喝下这杯酒，便回到了这被燃烧的风向标撕裂的黑色天幕下，那是我睫毛上交错而光亮的指针。我面前穿行的圆顶礼帽和黑色面纱依然攒动着，这个世界充满泡沫，带蓝绿色和夜美人身着的羽毛上才有的暖橙色。对于我来说她们都是一样的，当我不得不虚眼以避开电灯的强光时，她们脸上火热的红晕会在我紧张的眼脸下跳动，预示着一夜的来临。——安德烈·贝利夜幕降临后的世界，哪里都是一样的。城里的灯火与灯火重叠，乡间的旷野与旷野衔接，在一片相似的面目中，互相咬合遁入模糊的夜色中。唯独巴黎的夜，黑透了才开始燃烧，在塞纳河以北的蒙马特高地上逐渐升温，用炽热的欢腾把浓稠的夜撕出一条口子来。1889年，红磨坊夜总会在金风玉露和万众瞩目中开业了，一时成为城中宝地，令头顶高礼帽的贵族、名流、艺术家和工薪阶层都趋之若鹜。红磨坊破除了传统歌舞厅的概念，让宾客端坐一堂看台上的表演，转而用精心设计的歌舞、游行、剧目、杂耍等多重舞台效果引诱来宾全情投入其中，这在“美好年代”来临前是前所未有。日夜转动的磨坊风车是对蒙马特历史的崇高致敬。金碧辉煌的巨大舞厅嵌满各式各样的镜子，已接近沸点的狂欢气氛得以加倍渲染。花园里矗立着一只木制的巨型大象，背上骑着搔首弄姿的猴子来逗贵妇们开心。名流与乡绅肩并肩，在狂喜的氛围中摇头晃脑，喜不自禁。红磨坊开张初期的老照片儿们当时在欧洲极为盛行揶揄腐败宫廷和上流社会的讽刺轻喜剧，在红磨坊，这样的轻喜剧，连同哑剧、杂技一起，每晚联袂上演。但真正让世人趋之若鹜并为之疯狂的，非康康舞莫属。从上流社会的方块舞演变而来，褪去双人舞的社交功能，逐渐成为高个姑娘们专属的表演形式。妙龄姑娘们头顶羽毛、脚蹬黑丝，红光满面地用力向上踢腿，露出层层叠叠波浪型褶皱衬裙下隐藏着的丰满笔直的大腿，时而劈叉，时而横翻筋斗，让人目不暇给，像一支目标明确的军队，性感中蕴含着满满的力量。康康舞是法国贡献给世界舞蹈界的一股喧嚣闹腾又激情四溢的活力，而红磨坊则是康康舞的发源地，一百多年来不断地解析、装扮、革新这种非同凡响的舞蹈形式。红磨坊舞蹈名伶La Goulue ()红磨坊舞蹈名伶Mistinguett ()，据传她曾为自己的腿投了今天相当于人民币50万元的保险。现代红磨坊舞者的肖像在红磨坊中，名流、艺术家与各个社会阶层的人融合在一起，社交、吃喝，然后带着空空的脑子和震颤的心，感受所有艺术创作的源头都饱含的那股狂热和对美的喜悦与追求，感受美的迸发与消逝后的幻灭。而这一切以前所未有的华丽非凡的舞台魅力，毫无保留地呈现给所有人。红磨坊消弭并超越了社会阶级和身份的界限。1929年，红磨坊的姑娘们在埃菲尔铁塔上表演康康舞。今日的红磨坊与它的秀红磨坊并非巴黎第一家风格前卫的歌舞厅。在这之前，有出版了自己的杂志的Le Chat Noir黑猫夜总会，斯坦雷为它画的巡演复古海报名垂艺术史，比酒吧和杂志本身都活的长久，十几年以后在巴塞罗那开张的“四只猫”咖啡馆完全继承它的衣钵；以华丽排场和异域风情出名的Folies Bergères女神游乐厅，让印象派之父爱德华·马奈留下了那幅《女神游乐厅的吧台》。当时巴黎的声色场所，功能绝不单一，多是兼有咖啡厅、酒吧、剧院、艺术家沙龙、歌舞厅和夜总会的人气之地，你会与巴黎最有名的人挨着肩，演员、交际花、社会名流和来自世界各地的外国人在眼前穿梭来去。Théophile Alexandre Steinlen在1896年为黑猫夜总会所做的巡演海报，如今已成为海报艺术的兴起和新艺术运动的代表作。?douard ManetA Bar at the Folies-Bergère, 1882正如同时代的那些夜总会，红磨坊也拥有热爱它并把它拓上画布的艺术家常客。法国贵族与海报艺术先驱图卢兹-洛特雷克，用大量沉浸其中的时光，换回了描画舞会、舞者和女伶的海报与画作，用深受日本浮世绘风格影响的线条色块，勾勒出红磨坊与蒙马特之夜的魂魄。他的画中既有激情独舞的女演员，也有意兴阑珊的贵族客，画布背景中粘稠的绿色与褐色偶然在人物脸上现出，让场景变得模糊、怀旧、酸涩甚至怪异。这样的主观视角绝非由纯然旁观的视线构成，画者本人必须成为表演以及场所的一部分，然后用让人信服的笔触，道出盛大欢乐表象背后，必然紧密相随的人性的空虚和被掩盖起来的生存的凄凉。Toulouse-LautrecSelf-portrait Au Moulin Rouge, 1892Toulouse-LautrecAt the Moulin Rouge, the Dance, 1890图卢兹与红磨坊当时的经理站在画家设计的宣传海报前。红磨坊诞生时，正处于法国的Joie de vivre时期，亦即活着就是欢乐的。人们从一切事物中寻找快乐：聊天、吃饭、思考，当然还有看演出，并且成为演出的一部分，这种生活方式与日后更为大众所熟识的嬉皮文化是一脉相承的，而任何艺术形式都是用来对抗与超越生活的。从康康舞中，我们能窥见属于法国的优雅中，藏匿着激情、反叛而固执的那一部分，并从中领略到夜生活的意义：灌一杯苦艾酒，在歌舞的愉悦中让梦境提前来临，现实与想望暂时停止互相冲撞，你重新感受身而为人的喜悦。The hills are alive with the sound of music.版权声明：图片来自网络。[范西精品漫游]对其发布的文字内容拥有版权等知识产权，受法律保护。未经本公司书面许可，任何单位及个人不得以任何方式或理由对上述信息、材料的任何部分进行使用、复制、修改、抄录、传播或与其它产品捆绑使用、销售。凡侵犯本公司版权等知识产权的，本公司必依法追究其法律责任。精品旅游｜资产移民家庭管家 | 教育顾问路线 | 场所 | 现场 历史 | 食材 | 广播微信ID：fancyselection长按二维码关注我们　
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你日日顶礼膜拜的摄影大咖，曾几何时，也借鉴、模仿过别人。在《一个人的文艺复兴》一书中，傅尔得以浮世绘大师葛饰北斋的波士顿美术馆大展为开篇，盘点了那些曾向大师们致敬的“大师”。波士顿美术馆2015年的夏季大展 Hokusai，是日本江户时代的浮世绘大师葛饰北斋（Katsushika Hokusai,）作品展。作为第一个闻名世界的日本艺术家，他的作品启发了世界范围的艺术家，特别是印象派画家，马奈、德加、凡·高、高更等许多印象派绘画大师都临摹过他的作品。《骏州江尻》波士顿美术馆 2015 年的夏季大展葛饰北斋作品（拍摄 傅尔得）作为在日本以外收藏葛饰北斋作品最多的美术馆，波士顿美术馆早在 1892年，就做过“葛饰北斋及其流派”的展览，这些作品大多来源于明治维新后受日本文化吸引而久居日本的波士顿藏家的大量捐赠。今年波士顿美术馆的葛饰北斋作品大型回顾展，不仅展出了其 70 年创作生涯的作品，而且对其《富岳三十六景》（ Thirty-six Views of Mount Fuji）中的所有作品，进行了罕见的集中展示，不得不说这实在是一场百年难得一见的葛饰北斋作品盛宴。这当中最为常见的一幅，便是《神奈川冲浪里》（The Great Wave off Kanagawa）。但这里我不是要讲葛饰北斋，而是摄影对绘画的借鉴。《神奈川冲浪里》 波士顿美术馆展览现场 葛饰北斋作品（拍摄 傅尔得）看展过程中，我注意到一个细节，在《富岳三十六景》的其中一幅《骏州江尻》 （Ejiri in Suruga Province） 旁边，特别有一个备注：这幅作品启发了加拿大摄影师杰夫·沃尔（Jeff Wall），给他的创作带来了灵感。在如此大型的大师展中，博物馆特地做出这个小小备注，就不是一个小小的备注了，而只能说，这是一次大师对大师的致敬。它说明，作为大师的葛饰北斋，至今仍然在给杰出的当代艺术家带来灵感，像代表加拿大当代艺术的艺术家杰夫·沃尔这种水平的。就在这一瞬间，好多对绘画进行借鉴的当代摄影师的作品，一齐涌到眼前。绘画和摄影的关系，自摄影术诞生以来，就纠葛不清。但终归，两者都是影像生产的艺术门类。杰夫·沃尔作为对摄影的当代艺术表现进行重要开拓的艺术家，杰夫·沃尔这种艺术史科班出身的学院派，当他准备好了要开始创作时，对经典绘画进行信手拈来的借鉴，就不足为奇了。而他运用摄影这种媒介来进行创作时，背后的思考也跳出了一般性的思维。大型灯箱摄影作品成为他表达观念的代表性媒介，这为照片的观看方式做出了探索。现代影像运用技术对他的重要性在于，可以把摄影、电影和绘画之间的紧密联系，进行当代的表现。杰夫·沃尔尤其对19世纪的绘画借鉴最为显著，他试图找到这两者之间关于创造影像的内在联系，探讨真实与虚构之间的界限，比如，对取材于生活中的普通瞬间进行影像生产。杰夫·沃尔作品《忽然一阵狂风》，1993 年这就举到葛饰北斋的例子了。为了创作《忽然一阵狂风》（A Sudden Gust of Wind）这幅作品，杰夫·沃尔即对《富岳三十六景》中的《骏州江尻》进行了借鉴，他在温哥华花了5个月的时间，在起风的相似天气来进行拍摄。而这只是一部分，他将作品中的其他元素，如翻飞的纸张等花了大量精力，最后进行拼贴。欧仁·德拉克洛瓦作品《萨达那培拉斯之死》，1827年杰夫·沃尔作品《被毁坏的房间》，1978年马奈作品《女神游乐厅的吧台》,年杰夫·沃尔作品《女人像》，1979年杰夫·沃尔向绘画借鉴的作品不少，如印象派大师马奈的作品《女神游乐厅的吧台》（ A Bar at the Folies Bergère，），如法国浪漫主义画派的典型代表欧仁·德拉克洛瓦挂在巴黎卢浮宫的作品《萨达那培拉斯之死》（ The Death of Sardanapalus，1827）。杰夫·沃尔借鉴了《萨达那培拉斯之死 》这幅作品中亡命之前的最后野蛮残忍暴力，将平日生活中被弃置的房屋，与想象中曾在此发生的暴力相连接。汤姆·杭特同样有借鉴于这幅《萨达那培拉斯之死》作品的，是英国摄影师汤姆·杭特（Tom Hunter），这位大学摄影教授，同时也是至今英国国家画廊唯一给做个展的摄影师。汤姆·杭特一向的创作风格，是熟练地借鉴经典油画中的形式美感，汲取传统油画的构图和考究光影，以他自己生活周围的小人物为拍摄对象，使作品产生历史和现实重叠的厚度，以此提升英国社会中底层民众的尊严和形象。维米尔作品《戴珍珠耳环的少女》，1665年汤姆·杭特作品《读着驱逐令的女人》，选自《无名人士》，1997年汤姆·杭特主要参考的是17世纪荷兰黄金时期最伟大的画家之一维米尔的作品，其作品以对光影的考究把握和严谨的构图而著称。汤姆·杭特正是借鉴了维米尔的光线，他认为，弗美尔的作品并不是去呈现国王王后将军等，而是给荷兰的普通人以尊严。汤姆·杭特生活于伦敦东区哈克尼，相对于富人区的伦敦西区，东区一直与贫民和外来移民联系在一起。1986年，汤姆从多塞特郡的小村子搬到伦敦时，就住在哈克尼，他给哈克尼的下层民众和边缘人群体以尊严，通过作品提升他们的地位，以这种方式为住在哈克尼区的民众抗争。汤姆在 2010 年创作的《科尔泰利之死》（ Death of Coltelli），便是对哈克尼区下层人民的生存状况予以一种严肃的正视。格雷戈里·克鲁森作为当代艺术界的重要人物，出生于纽约布鲁克林的，年轻时组过朋克摇滚乐团，其作品的拍摄，动用和电影拍摄一般的团队，进行单幅影像的拍摄。克鲁森的作品场景，大都设置在美国的小镇，作品的场景为生活中的日常景象，但这日常景象下面，却深藏着不安、疏离与故事。格雷戈里·克鲁森《暮光》系列作品，年格雷戈里·克鲁森《梦之屋》系列作品，2002年他的作品，借鉴了美国 20 世纪初的油画家爱德华·霍普。克鲁森，这位执教于耶鲁，也是高古轩画廊艺术家的当代摄影大家，认为霍普的作品对他产生了巨大的影响，霍普的作品是对美、戏剧性、悲伤、无根性以及欲望的最佳诠释。霍普的作品，描绘了美国都会中人们内心的寂寥和疏离。英伦才子艾伦·狄波顿（Alain de Botton）曾这样描述霍普的作品：“爱德华·霍普画作里的集体寂寞，描绘的是荒凉，却不令人感到凄凉。因为它们回应我们心里的哀伤，减轻观者被哀愁迫害、围堵的感觉。”霍普的油画中，不仅画面蕴含着丰富的精神层次，其光线也成为表达内心情绪的重要手段。他作品中表达的人的寂寥和疏离，以及内心精神的荒凉与寂寞，都成为克鲁森在拍摄作品中的叙事借鉴。理查德·塔奇曼（Richard Tuschman）是一位爱德华·霍普作品的忠实借鉴者和延伸者，他的《霍普的冥想》（Hopper Meditations）系列便是向霍普致敬的作品。　爱德华·霍普代表作品《夜游者》，1942年《霍普的冥想》系列作品，年他虽然和格雷戈里·克鲁森一样，都深受爱德华·霍普油画的启发，但他不像克鲁森找一个超级拍摄团队，在拍摄中就布置好光线、场景、细节。理查德·塔奇曼的拍摄，大多是分开来，最后在后期制作合成但他对霍普作品的借鉴，确实表达了纽约都会生活中的人们之间的疏离和现实情绪。
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