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博物馆会有所转变，会么？
原作者：Michael O'Hare
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当我想要翻译这篇文章的时候我以为我即将要翻译的可能是一篇新闻报道或评论，等我翻译到快要翻页的时候我甚至还没意识到这篇文章到底有多少页，直到我有点没耐心了的时候，我才发觉，原来这是一篇论文，并不是某位大文豪的随笔。
本文讲述的是Michael O' Hare关于美国博物馆现状的思考，其间详尽叙述他和他的学生们一起做的调研，和他本人的一些经历，提出了问题，给出了建议，最终也喊出了他对现今博物馆管理和政府政策的呼声。
如果您有兴趣，请做好心理准备，这篇8000多字的英文原文被我生生译出了14000多汉字。可能技术不是很好，但认真做了，在工作闲暇时间译了四天。已经没有耐心重新读一遍做校对或修改了。
博物馆会有所转变，会么？我们伟大的艺术机构们每天都在骗取着我们的艺术财产，并且，如果他们愿意，他们是可以停止的。Michael O' Hare我告诉我的学生们，并且有点轻率地告诉他们，艺术制度是最重要的制度竞技场。说真的么？好吧，多数人认为健康制度就在那儿，但是为什么不值得生存的生命还活的更久？而且，如果你认为政府跟你能否以及如何可以去欣赏艺术没有很大关系，那么，你就没搞清现在的状况。想想看，一个世界里，那些伟大的油画和雕刻品都主要是在展览展示，而没有在他们实际在的地方，大多数都被锁在众多的大型博物馆的基地或者仓库中。在这个世界，你没有必要非得到六个大城市之一去亲眼看它们，也不用在一整天内走马观花似的浏览完一个巨大的博物馆，就因为你付了那么多钱进来。在这个世界中，你不会一直担心你没有资格来欣赏你看到的这些，或者是否有能力享受这些。那样的世界实际上触手可得，我们没拥有它的主要原因是，我们委托保管那些艺术财产的人们将彼此的双脚钉在了地板上，因此，他们就不能把这个世界往前推动，而且，还默许这样的事情发生，甚至与政府合谋。大型的博物馆一直拒绝承认他们以未展出的复制品和一些小作品作为财务来源。结果，因为一直被藏着，很多作品浪费了它们的价值。如果那些作品被分给一些小的艺术机构，甚至是分给一些私人的收藏者或者收藏企业，他们就能为那些小的机构筹集巨大的价值，且在那些机构中，博物馆仍然是最高级的地方：人们在观赏艺术，当他们观赏艺术的时候又从中获益更多。这个故事贯穿在会计准则，职业道德，以及税务政策中，但是我没可以就在博物馆中开始。这是一个传统的惯例，它要求自觉努力去发现有多少关于它的事物可以是不同的，或者应该是不同的。让我来个实地考察旅行，到处看看吧。一次博物馆实地考察旅行我们在正常的营业时间或者是周末到达，因为博物馆每周只有一次是夜晚营业。那栋建筑物看起来更像一座神庙，而且可能是真是一座庙，矗立在一座公园或者一个山丘上。我们走进去，经过了一个满是名字又没人看管的墙，写的是艺术家们的名字？不，是捐赠者们的名字。这个墙上的每个名字都记录着一次财务交易，但是 ，在这些交易中，到底卖的是什么呢？奇怪的是，尽管这里被提及答谢的数百万刀的三分之一到百分之九十实际上都是税款，不是私人资金，但是，政府以及纳税人却没有被列入其中。通常如果我们进博物馆的话，都会比别人有点优惠，但是这次的考察我们就得花些银两（尽管我们在华盛顿参观国家艺术长廊时候都分文未付）。张贴的价目表上，同样的东西对不同的人会有不同的报价， 以及邮件预付定金的大量折扣。这被称之为“会员”，尽管这并没有给我们机会去投票。我们拿了一份地形图以及一份语音解说，然后投入到了众多如迷宫一样没有窗户也没有时钟的长廊里，一个像拉斯维加斯赌场一样令人迷茫的环境。当然，这些长廊里满是艺术氛围，，，呃，好吧，实际上并不是很满，因为那些壁画都是非常零星地隔墙铺放着。人们在这些房间里穿行，这些人中大多数都是女性，偶尔轻声谈论米开朗基罗，发发短信息。参观的人们观赏每幅作品大概有六秒钟，探头探脑地读取那些带有几乎是随意摘录的介绍信息的迷你标签。有些长廊里会有说明板，大体上介绍概况，上边的文章可能是历史学的也可能是生物学的，可能是用艺术评论术语，或者是最基础的，简单的水平，但对展示的这些作品始终是令人赞赏又激情澎湃的：这里的每件作品都绝对是宏伟华丽的。艺术根据起源地，媒介以及创作日期区分。大概1900年，我们经历或是慰藉或是焦虑才意识到单纯的解读符号（St. Jerome是那个狮身人面的还是拿着箭头的？）不再有用，然后我们开始不再以看似或者大概可能是什么的眼光去看那些事物和图像，而且如果他们不在博物馆里，我们就永远不会意识到那些就是艺术。我们可能互相之间讨论艺术，但我们的感触又相当的片面。在演奏会上我们至少可以鼓掌喝彩；在餐馆中我们可以实实在在的吃东西；在画廊，艺术是可以售卖的；在科学博物馆我们能够触摸而且能够把东西拿在手上。现在我们已经站了3个小时了，尽管我们间断地发现过一个长椅。让我先坐下吃个午饭吧！餐厅菜单流露出了受过良好教育的中上层阶级：我们能点一份拿铁，而不是一个热狗。怎么办？----你都累的精疲力尽了吧？我们可以离开然后明天再回来，但是，到时候我们就得再付门票费用。所以我们继续走，试图全都看完。路边是一个售卖各种东西的商店，那里的东西没有一样有资格在博物馆里展览，尽管所有都跟艺术沾点关系。许许多多的书，许许多多的小饰品。美术工具永远都是在儿童区，我们可以用那些美术材料自己做个东西。显然并不是所有好玩的都在这里，尤其是我们不可以看的。我们没看见艺术的形成，也没了解到任何关于艺术形成的东西。（银尖笔画法是什么？还是不知道？艺术微喷是什么？）我们没看见艺术世界的齿轮转动着（交易者，拍卖方，收集者，艺术家以及评论家）；确实，有人会从博物馆中推测，我们参观的东西与艺术生意或者艺术的形成过程都没有关系。对于每个展品，另外20件是贮藏的；几乎一个都不会被展示出来。而且，或许最重要的是，我们没看到去年一次博物馆都没去过的那80%的人。博物馆做什么？艺术博物馆是一种生意，通常是一种非常大规模的，但也是特殊的一种。在美国，几乎所有的博物馆都是免税的，非盈利教育的，作为某些社会价值的回报，拥有一些特免权；在别的国家，它们基本是政府机构，尽管从它们的规则上这种差别在法律形式上只有微小的效力。在以上两种情况中，它们花的都是纳税人的钱。要么是公款直接划拨，要么就像在美国体制中，博物馆捐款可以免税，每次捐赠都能拿到政府补贴。而且，博物馆基本都会从州政府以及当地获得免税，尽管他们从消防以及公安部门收到通常的的服务，还有人行道，等等。他们也会去保护那些物理艺术品来体现文明与文化。当然，科学，文学，政治机构，宗教，表演艺术也是文化宝库，但是造型艺术是独一无二的，却在物理破坏中面临着损失。丢失巴赫的B小调弥撒曲的手稿令人遗憾，但是还有许多它的副本足够用来表演；但是雅典娜帕德嫩Athena Parthenos 却永远消失了。要是考虑到博物馆如何才能做的更好，我们需要一个更好的理念，超出原本的那种博物馆的职能不过就是“拥有艺术并将其中一部分展示出来。”在他1979年的一本书，艺术博物馆：权力，金钱，道德，记者Karl Mmeyer可以写，“自本世纪初，博物馆专业人员他们自己一直尝试着定义艺术博物馆的本质，”而且事情并没有自此清晰。地图上满布着博物馆使命陈述。在2011年的一项使命陈述调查中最常见的词汇（art之后）有：收集，博物馆，计划，展览，文化的，教育，公共，艺术家，和（奇怪的）词汇。这里的动词的是博物馆行为，而不是参观者（教育/展览，而不是学习/领会）。有很少的几个有趣的例外--其中我最喜欢的就是底特律艺术学会的饶有兴味的简介“创作经历帮助每位参观者在艺术中找到了个人生命意义”----这些陈述表达了博物馆负责做什么，但是关于他们想要为他们的观众实现什么几乎只字未提。更多的关注都在于让艺术变得可接近，但是很少有关于艺术实际上如何被领会，或者是哪些抓住机会的游客身上又发生了什么。那么视觉线索又怎么样呢？好吧，来浏览一下主要的美国博物馆的主页和一些“大概齐”的页面，我发现只有3项展示着不是艺术收藏或者是外面的建筑物。？？？？？底特律的“大概齐”说明是特别的也是值得注意的：有个年轻人正在观赏Rivera壁画（我们看见的只是一个侧面的不全面的角度），有一个不只是用语言还带着全身之体讲述的讲解员引导他。它是一幅与艺术融合的画，而不仅是拥有艺术之名。与之相反的是“Met的航拍镜头”，里边是一座巨大的大厅里人群漫无目的地乱转，这个镜头本来是可以在中央车站能拍到的，还有芝加哥美术馆员工的照片和一块巨大帆布背景。我觉得在这些陈述中，最抽象被动博物馆的公共的存在就是一个重要的败笔，我提出一个不同的分配建议：艺术博物馆的目的是要跟艺术更多更好地融合。博物馆做的任何不能追溯到这个目的的事情都是外围的，偶然的。当然，这个简短的版本隐藏了表演的多维度。“更多”能使更多人着眼于艺术，更长时间地关注它，更多的着眼，而且是更多种类的艺术。近来，博物馆已经意识到“更多”也应该意味着更多种类的人群，尤其是跨种族和社会阶层的种类。去年有半数的研究生学位的人去博物馆，但是只有10%的高中生；24%白人去过，但只有12%黑人。而且，博物馆完全以非常长远的未来考量人群，大多数还没出生，对那些未来的参观者几乎是过度保护它们的藏品以杜绝火灾，洪水，日晒，湿度变化以及指纹油迹损害。“更好”是我这个秘诀中更有意思的部分。科学已经表明，洞察是一种主动方法。唯一关联的艺术投入是在一个游客的大脑内部创作出来的，这个游客（本例中）把一位艺术家的作品中的视觉刺激和许许多多之前的经验，知识，以及当她面对某些作为艺术而存在时“冒出”（不总是潜意识的）的想法（不总是艺术想法）。更好的投入源自陈述和安装，包括平凡的小事，比如灯光，空调，以及你是否能够穿越拥挤的人群真正地欣赏到作品。它还源自管理你所展示出来的那些经验和“看”作品的经验，包括今天投入的油画如何丰富你与未来的艺术人生的融合。更好地投入同时也使调研的功能合理化。人们对某件作品会有不同的体验，当他们知道谁创作了它，作者跟谁学习的，谁委托制作并拥有它的，以及一份雕刻品又是如何跃然纸上的。更好的投入把博物馆推进到制作更具竞争力，要求更高的艺术公众的事务里。（因为这个进程是终生的，它不可以只是委托给学校，尽管K12学校现在的艺术教育挽救是场惨剧，而且拯救的跌跌撞撞，这些我们必须还得留着以后讨论。）我的简单目标陈述已经提出很多方法去经营一个更好的博物馆，集中注意力于冷漠的物物交换。例如，让一大群人来博物馆看那种专业评判人员认为是短暂的甚至是劣质的作品，或者是为一大堆错误的理由来参观的话（色情急躁的，或者太高的竞拍价格）可能更简单些，但是如果人们不再亲自参观，那么他们就不能够有更好的体验。纸上的作品有一定的光线暴露限制，因此他们展示的每分钟都会减少未来的观赏者欣赏一分钟。没有简单的准则能是一家博物馆安然地拜托它的责任，但是围绕“更多，更好的投入”这颗恒星会有用。吸引Richard Florida的创意课程，博物馆可能有经济发展利益，它们已经作为身份和区分年代的符号为经济精英分子服务。它们当然对馆长的孩子们牙齿矫正有好处，而且一次博物馆回顾展就能流进艺术家和她的经纪人的口袋里许许多多的钱。但是所有这些都是偶然的，也如我们会看见的，有时候也与博物馆的宗旨不太一致。吸引我们眼球的，还是，艺术投入。我们更想要的是什么？博物馆如何才能做得更多更好？嗯，对于“更多”，它们可以更多的展出它们拥有的藏品。任何高端的博物馆展示出来的都不会超过它藏品的二十分之一，通常更少。但是，作为一种粗概法，有藏品贮藏的轮换进出，考虑长郎中最不容易区分出来的物品，以及你能确定有一到两处微小瑕疵的，而大多数几乎看似完整的，都在仓库和地下室存储。大都会博物馆为例，展示莫奈41件作品中的27件，但是只展示了Eugene Boudins 13件作品中的3件。一旦某件作品雕刻品和摹本出现了，这个比例就会戏剧化的下降：例如，大都会博物馆的134件蚀刻品没有一件在展，而且只有Fragonard画的23件摹本中的2件在展。如果它真损害到了更近地去看一幅画的邻居的体验（最近的博物馆实践中都很大程度上增加了作品之间的空间，不再是一个一个上下罗列)，那么公开更多作品意味着建立更多长廊以及扩大博物馆建筑。另外，对于“更好”的投入，博物馆本可以有教育计划的，就像我的一位护士毕业的学生曾经跟我说的，“从病人在的地方开始”而且是在游客离开家之前开始。享受历史？这里就是这幅油画如何解释它的，以及它为什么发生，在哪里发生。地下室的木工？这里就是他们如何把东西镶嵌进衣柜的。宗教的？这幅油画就是一本神学圣经，那这就是它如何的起作用的。政治左翼份子？那让我把你介绍给George Grosz吧。想想，你可能想要拥有艺术原作？这里就有如何开始的。不幸的是，大多数的博物馆都在受资金流的制约，而且这又耗费很多资金。大萧条给他们强烈的冲击，靠慈善捐赠和政府大力支持，运营费用很难减少。像这样的一些观点就是白日做梦，对吧？哦，不。为了理解为什么几乎所有的博物馆财务都作为年度报告的一部分？我们需要着眼于一些博物馆的的财务。看一下典型的博物馆的资产负债表的资产栏。就是这栋建筑本身--就价值几百万，但讨论卖掉这栋建筑却是毫无意义的。家具和设备呢？那个成本不太多，而且我们还在使用着。捐助款？只有几百万，而且整个捐助的意义就是让它继续增加，赚取一些收入，然后为了保险起见保管它，而不去兑现。拖拉机割草坪么？现在我们正往在拆桶底。但是让我们稍等一下。艺术在哪里？难以置信的是，艺术并不在那儿。没有一个我所知道的博物馆会在它的资产负债表承认它的艺术收藏品。当它买一件油画，有个消费支出，然后它又消失掉，就好像他们给每个人买了一份午餐然后大家都吃完了。如果数额小的话，这可能没什么关系，但是那些确实都是令人吃惊的数字啊。我曾经从仅有的几个被实际估价过的博物馆（底特律和伯克利艺术博物馆）藏品案例中，以多种方式通过三角测量估测过芝加哥艺术学会的藏品价值。它的280,000件藏品被算出价值260亿到430亿美元之间。这个发现使我所告诉的每个人都震惊了（瞳孔放大）。“多钱？？！艾玛，那大都会博物馆的价值是？卢浮宫呢？”一家公司通常的管理估计是“股本回报率”。这是这家公司每年创造的大概的净收入，除以净资产，概念上与某笔贷款的利息或者某项投资的收入相差无几。我们可以这样大致地计算一家博物馆通过它的游客访问时间和它一年内提供的研究调研（留心；这些成本收益分析的评估方法通常是粗略大概的）。在芝加哥艺术学院（简称AIC）这个案例中，它的股本回报率（简称ROE)不到1%。因为AIC在很多角度看都是一家了不起的博物馆（去那看看吧！），如果那是它能够从投资人（就是我们，公民们）委托其保管的资源中赚得的全部的话，这绝不是一个最坏的或者一个不好的例子-----但是没有一家成立的私人企业被允许在此维持营业或者持续管理。当私有公司成长以及经营时，他们不得不向人们承诺5%这个范围的ROE数字来获得资源的控制权，而且一家大型的博物馆不是一个为了在将来获得巨大利益的谨慎经营着高度资金消耗的初创公司。当然，这种说法感觉起来粗泛，就像未经培训的双手被强加于不朽的难以言喻的艺术的宝贵的心上，那么让我们把它留在这个：知道一家博物馆的藏品的货币价值，提出了关于资源如何被利用的一些显著问题，以及那种使用是否是物尽其用。因此，博物馆需要的最重要的政策改革是，金融会计准则委员会（FASB）要求博物馆评估他们的藏品并作为资产向其汇报，FASB是一家私营的指定会计人员必须使用的准则的机构。如果FASB不这样做（几十年以前尝试做了但是失败了），那监管非盈利机构的州检察长就应去做，不提及博物馆受托人，没有这个信息的情况下他们不能负责地监管他们的机构。这种疏忽的借口有，对一大件藏品估价是一个大麻烦，而且因为博物馆从未打算用这种艺术作为金融资源去售卖或者出借，这样做就毫无意义了。但是简单地断言那134件Fragonard雕刻品没有货币价值的话，那就不符合实际了：如果你把一只狗的尾巴叫腿，它还是有4条腿，而且底特律艺术学会的藏品在城市破产中绝对是作为一项财务资产公开的。那如果拒绝藏品估价被懈怠了又会怎样呢？给那么庞大数量的藏品一个价值后又如何能创造更多更好的投入到艺术里呢？鉴于其被展出量或是将被展出量之少，或许我们可以从最底层开始卖掉一些没有真正的展览前景的库存。然后会买什么呢？根据价值只卖掉1%的藏品--远超过1%是按照物件数量--就能使芝加哥艺术学会提供永久免费入场券给游客。你看的没错：永久免费入场，只要卖掉1%藏品--此外，用减少的储藏成本赠与一份小赠品。免费才是一个非竞争性货品的正确标价（你没有在取代任何人）像参观一家不拥挤的博物馆，人们也更容易理智地欣赏艺术，即便是一次呆几个小时（更好的投入！）。碰巧。当AIC为了扩建新的大楼给门票涨价就引起了一场很大的争论（成年人入场全票现在是23刀）。当英国国家博物馆在2001年免费开放后，参观量超过两倍----更多的投入！那博物馆应该收多少的票价呢？如我建议的，价格通常应为零的主要原因停留在最基本规范的经济准则上：没见东一应以其边际成本售卖。如果一家博物馆不拥挤，多一位游客的边际成本就是地板的一点磨损和空调的几分钱费用；不像音乐厅的一个座位，它并不会剥夺别的访客的游览机会。既然这个原则是技术方面的，而且既不是道德上的断言说艺术是无价的或者是被金钱糟蹋了，也不是一项政治宣判。如果你半夜叫醒一位置价格经济学家和以为左翼进步分子，他们都会说“边际成本定价！”废票箱收入很难被放弃，但是为使一个低收入公众参与更容易，一些博物馆已经采取了一项“门票随意付费”方法（就数额而言就非常的笨手笨脚了）。如果使你觉得像是参加一项慈善活动会不会从心理上更愿意参与呢？而且为什么在人们拥有之前就让他们评估这项体验的价值呢？做这样的实验会相对容易些，就是当游客们离开也看见发生了什么时候再让他们决定付多少钱。我曾那样做过一次，许多年以前，是针对一个特殊展览的一项额外收费，利润比游客进之前收费明显高出很多。如果博物馆太拥挤以至于你的游览都妨碍到了别人--有点像是纽约现代美术馆（MoMA)，卢浮宫（the Louvre），乌菲兹美术馆（the Uffizi）----那么它适当收点门票费也会通过价格来控制入场流量（然后这些费用可以补贴给那些没钱进来的人）。但是，扩建一下博物馆会更好！当许许多多新的家庭迁到城镇，我们不是开始竞拍班级的座位，而是建更多的公立学校。回到我们那个AIC的案例中，卖掉另外1%的博物馆藏品，就够支付另外30%的展览空间（要么是它现在的地址，要么是在别的大的星球上），目的是实实在在地给我们展示更多的艺术。让我们疯狂一点再卖掉1%的藏品----那就会往经营预算上投入170亿刀一年，相当于学会现在的“教学和学术”人工成本的五分之一，也就是能够让学会有钱支付招聘200多名全职研究员，教员，设计师，以及研究观众并理解当观众接近艺术又会发生什么的人。所有这些，AIC还是会持有97%库存的价值，但是展出超过了三分之一，而且展示的更好。在商业语言中，我们可以说AIC在其“建筑物”和“艺术”资产中彻底地错误分配了他们的资本资源，也错误地分配了产品（人工）和资本中的资源。呆滞资本是种浪费，就像闲置劳动力，而且如果秘密操作，可能甚至会使欺诈和滥用的相关收费合法。如果你敞开的与博物馆人员讨论这个，如我以前做过的，你会很快发现你已经走进了一个大马蜂窝，叫做“处理讨论”。处理是奇幻艺术的销售语言，那你挑衅的那个主管首先要告诉你的就是博物馆主管的道德准则，这个准则禁止他去售卖艺术除了购买更多的艺术。如果他卖了，他就绝不可能借给别家博物馆任何东西，也不可能从别家借来任何艺术品。他可能也没法在下次的聚会中跟朋友喝杯咖啡：外部的黑暗，不道德的行为如何才是恰当的。当然，这个准则没有被立法者击落一座山峰；是博物馆馆长他们自己使之形成的。道德准则是好的东西，但是它不是上帝也不是自然的法则。从前，律师的道德准则禁止他们做广告。现在，不禁止了；共和国和酒吧继续着。博物馆馆长的准则说，“礼物和遗产只要可能就应该不限制，”部分是因为捐赠者在某件作品如何被展示上的限制，或者将来的判断证明它是否应该被展示出来，使捐赠者的专业知识永远派不上用场。但是重要的博物馆中，像大都会和斯坦福大学收藏就非常明显地违背了这种准则，而且也没有被逐出教会，所以或许这些道德准则并不是他们所伸张的那种程度上的道德绝对真理。一件一件的为大量藏品估价是件庞大的任务（尽管底特律博物馆完成的相当快）而且这件事的成本可能会以合法的形式从财务报告中忽略掉。但是没必要为了得到博物馆总价值的一个有用估价就这样做----比如，加或减10%。像价值这类的事情都有个指数分布，价值大多会在相对很少的几个项目中。博物馆知道他们的杰作是哪些，这几千个物件就必须会被逐个估价。但余下的就会从登录号中（每件都有一个登录号）随意地画出来作为取样，实际的估价少到其他作品的5%。这个过程绝不是完美的，但确实完全可做的：在给那些要参展的物品投保时以及当有人给他们的艺术品出价（明显是）要购买的时候，博物馆就会那些物品单个估价。大的公司以交易清淡的市场评估其特有的资产，比如建筑物和专利，就能给其监管者提供足够充分的信息。非销售供应品就是有益于保护那些大型的古老的博物馆不至于考虑将这些藏品分出去或者是考虑像上边提到的博物馆那样改变经营策略，这样的老博物馆都拥有远远超过其可以展出的展品量。都只是关乎易于管理和机构威望，而无关公众利益。我的同事Eugene Smolensky在阅读这篇文章的初期文稿时问道，“如果我们能以最佳方式在所有博物馆中重新分配所有的艺术品，那么有多少的艺术品能影响它现在所在的地方呢？”像那些在旧金山的博物馆，开始认真收藏都比较晚，那时候东部城市的博物馆已经开张了半个世纪，以现在的准则是永远也追不上的，较小的市场会封杀的许多艺术品都被锁在大都会和芝加哥艺术学会以及它们的成员的保管库里。现存的这种分配很有趣；举个例子，下边这个图是莫奈的一些作品在美国博物馆的分布：以这种分布创造最大的艺术投入价值可能么？这样公平么？位于弗罗里达盖恩斯维尔大学城的小Harn艺术博物馆对于他们仅有的那一幅莫奈的作品如此自豪，以至于当它把这件作品借给那不勒斯做一次四个月的临时展览的时候还特意发布了一份安心新闻稿；而反过来看芝加哥艺术学会，把接近其莫奈保有量五分之一的作品都藏在了仓库里。出售交换藏品以及对此不满的声音关于售卖藏品的争论形成了一种不同寻常的组合特征，包括，天真烂漫，疏忽大意和有偏见性的语言，以及故作姿态。不去重新改编，我们留意一下这里，首先，博物馆未展出藏品中售卖出去的作品不是“丢了”，尤其当这些作品是卖给别的博物馆的时候。确实，如果这些作品进了某位收藏者私人的家里，那看到这些作品的人就比他们存在保管库里的多；同理，如果这些藏品识别公司买走摆在他们的办公室里----而且这些交易还可以保留偶尔借回藏品的权利。（人们不会买了艺术真品然后弄丢或者虐待这件艺术品，或者藏起来--几乎总是要秀给人看还会细心照料。）但是我们那些库存过多的仓库交易，大城市主要的一些博物馆就只会在哪些作品不多的墙上展出一些重要的艺术作品（不是放在地库里的墙上）。我之所以会对财务准则的简单改变那么感兴趣，改变这个准则我们就能如看待捐赠一样看待这些资产，是因为我期待阳光会引发一次对话，在这个对话中，轻易断言卖藏品是在作恶的说法将会变得无力，以及，像我之前付诸实践的那些选择也将会上演。如果我们假设卖掉的艺术品不离开地球也不会进垃圾堆，那么那些损人不利己的辩护者们就会声称，“这些画作被赠给了我们就意味着我们永远也不能卖掉它们！而且如果我们卖掉这些没有限制的物品，那么以后就没人会再给我们任何东西了！”我们就可能接着问，“那么他们会如何处理呢？”（而且，“你到底还想要多么多你都没有地方展示了的艺术作品？”）当收藏家的子嗣们不想要继承那些艺术品时候，那些艺术品就会流进博物馆。这儿就是税收政策变得重要的地方，连同顶级艺术世界的社会学亦然。博物馆里的许多画作都是以免税的礼赠收到的，而捐赠者的纳税扣除额是基于这幅画作全部的市场价值扣掉的，尽管在他手里的增值部分没有纳过税。那么一件以10,000刀买来的画作，现在就可以卖到110,000刀，减掉一个富有的捐赠者要支付的28,000刀的资本收益税，花掉捐赠者82,000刀（同时，当然了，要谢谢您）----但是给他赚回了110,000刀的39.6%的一笔所得税宽减额（他的边际税率），或者可以说赚到了43,560刀。所以这个馈赠品实际上只花掉了他38,440刀；纳税人们支付了剩余的部分。（房地产遗产税里的遗产计算方法就不同了；总之，税收补贴现在还只是对那些拥有数百万房产最富有的收藏家有利。）这整个安排可能会也可能不会对公众的政策有好处；在我跟Alan L. Feld和J. Mark Schuster合著的这本书Patrons Despite Themselves中，我们广泛地检查了这个问题，当然也总结到，“很复杂！”但是慈善捐赠减免当然不需要包括博物馆，因为当伟大的美国博物馆被建立的时候这点儿减免额就是不存在的或是微不足道的存在，而且在美国以外也不重要，就是有着许许多多满是艺术的博物馆的美国的外边。这里，这个计划的重要的部分是，不管这个作品是否以被限制售卖为条件捐赠，它都可以得到相同的减免额。这在经济或者道德上就很难以理解：一幅被博物馆永久储藏和保护的画作就是没有一幅可能被售卖的画作之前，就好像没有捆绑的金钱礼物比用彩带捆绑的钱更贵重。一项好的税则修正条款会要求IRS减少捐赠的艺术品的估价，一次影响那些限制，包括销售限制。这至少能让收藏家们对于是否需要那些藏品而三思。它不会控制眨眼和点头，然而：一个收藏家会仔细地对他的画作货比三家，寻找一个家愿意出一份非官方的协议的博物馆。我们不得不考虑下这笔交易的社会学情境，而不仅是显性规则，因为捐赠者们可以说，他们搞的收藏足够厉害以至于可以被收藏到那家最有声望的博物馆的“藏品系列”中，而那家博物馆愿意收纳自己的藏品，这可以使他们获得社会地位。如果博物馆建立了一项道德职责，绝不保证保留，而且清楚说明，欢迎赠予礼物，可那些限制条件确实是违背了规则，那么收藏家们就会发现这样互相忤逆地做法会更难。一个更大的问题是，为什么只可以展示他们实际持有（或者甚至只是那些真正的好东西）藏品的一部分，而且日益被数量在实际可承载的空间内严重地损害了艺术投入体验的游客们的大的博物馆们要持续为如果被分散成更小的市场就会创造更多价值的并购而斗争？为什么他们不更有效地引导捐赠者们为那些把更多人，更有效率摆在更多艺术品之前的项目捐钱呢？布罗德夫妇，洛杉矶艺术场景的800磅大猩猩，有一个清新脱俗的说法，2008年，他们向洛杉矶时报解释为什么他们给洛杉矶郡艺术博物馆借贷权利（以支付一栋雄壮的大楼扩建），而不愿意捐赠藏品：...我们的工作是让我们的藏品尽可能广泛的展示给公众。以对博物馆无上的敬意，他们直接给他们的同僚。LACMA愿意借给the Met（大都会）。他们愿意借给Modern, 借给Louvre, 借给National Gallery。但是他们唯独不会借任何东西给得不到任何回报的Knoxville, Portland。所以关于这件事我们考虑了很久，然后我们说我们打算把这个做成公众的收藏，而且我们打算支持LACMA。无论LACMA想要把什么放到他们的墙上他们就可以放到他们的墙上，只要他们想要把它放到他们的墙上。但是如果特么想要把它放到地下储藏室里，我们就想要能把它在别处展示出来。统治和制度一个世纪以前，艺术博物馆改变了社会和艺术的关系，通过引领从被和为有钱和有权的人私人收藏过渡到现代的公众博物馆。今天，他们可以再次改变这个关系。交响乐和戏剧没有企业家需要的资源，但是博物馆有；那我们现在需要的应该是哪种创新呢？最重要的机遇就是作为非常高质量的数字内容的艺术，具有爆炸性的可获得性，这几乎颠覆了音乐，戏剧和剧本的世界的改革。当然原版的艺术作品还是会一直在区别于复制品的独立市场中交易，看见“真东西”特写不像是把一幅完美的图像从屏幕投射到你的眼球上。但是，并不逊于第一点的 ，第二就是区别于第一点又能作为补充的，尤其是当可以实现你能用一些点击为自己组织一个“专门定制的”博物馆时，不是在几千英里远的那些作品。谷歌文化机构提供多达全世界500家博物馆的视觉旅行，可以看到几千件高分辨率的作品，实际上比你站在真品面前看到的分辨率更高。还有什么没有发生的，但是在进行中的，那就是把油画，印品和绘画收藏品们从他们储藏库里释放到数字云里（雕刻品是另一件事了）。当这个也发生了，那博物馆还是只展出那么一点儿藏品的“现场版”就不算是个难题了，而且对创造性的和丰富的投入模式的机会也将得到极大的扩展。但是至关重要的是，这样一家博物馆实际拥有的（用于可能的调研性研究）没有展出的作品就不那么重要了。仅仅调用技术或者挖掘更多信息会很容易错失标志；成功也是态度和执着的事。当我在一家博物馆工作时，我有些令我不安的领悟，比如，当一位四分之一英里装饰艺术走廊（满是用绳子贯穿捆绑的椅子却没有一把是给游客坐）的管理人员打断了我的关于座位的员工会议讲演时说，“Mike，我不知道为什么要把时间花在这上；如果我想要坐，我就可以去我的办公室。我不需要走廊的椅子！”我还记得曾被一对房子橱窗里的金属设备上的标签激怒，铭记在我的记忆里的是“一对用于打火的物品，有三行可兰经文。他们制作精美，还邀请我们触摸。”好吧，我是一位工程师，还是一位较真的机械师。你引起了我的兴趣：你怎么用它们打火？--两个东西相互磕碰？摩擦？它们里边有打火石么？你是两个一起用还是每次用一个？“可兰经文”是什么？----一种书写风格，就像股阿拉伯字母？写什么斜体民众叫“摘自可兰经”是一种卖弄学问的方式么？恩，我理解为什么它们在玻璃下面，但是为什么，馆长先生，你是在揭我的痛处么？你能摸他们而我不能？像这样的“教育”可能是善意的，但是有点拙劣。还有一些令人瞠目结舌的时候，例如，当一位馆长要我逛逛他的画廊的时候就会只跟我谈论艺术。着实扣人心弦啊，要说这些人把他们的东西搞得多有趣，其实不，你不是从阅读他们的出版物，或者从他们写的标签，或从音频指导上了解的；只有当他们不耸着肩膀看他们的同僚又炫耀自己多么博学时候你才能去了解。当然，不能每个人都能有那样的个人体验，但是我们能否给每个游客类似那样的体验呢？我不想要在我正欣赏表演或者听四重奏的时候有个人在我耳边说话，但是这在一幅油画前面确实可以发生啊--多好个机会！作为一个游客，我一直遭遇错失良机和挫败，通常是由于一次对确实会丰富一位典型游客的体验而不经意地忽视--那就是，博物馆应该想要使一位游客多次来参观。我去年看的旧金山德扬博物馆那场大型的大卫·霍克尼展览充满了艺术家的同步视频实验记录，平板电脑绘图，以及类似的东西，大多数都有据可查也解释的很完善。但其中也包括霍克尼关于Claude Lorrain的“登山宝训”作的30个乐章--上面到处也看不到Lorrain的照片。之前学习的也不够，没法直接从记忆里想起来，我不得不用我的手机上网页去找。不，1656年的原版是没有网络版权的。不言而喻的就是，如果你的脑袋里没有Lorrain的原作，你就没有资格站在这儿。几个月以后我偶然在Frick美术馆看到了原创，那里它从几张霍克尼的封面（当然是缩小版的复制品）上获益不少。但是当霍克尼在77岁高龄之际仍没有减速的情况下，Frick美术馆却已经定格在那里。有个被浪费了的机会，可以把一幅重要的作品投入到艺术拆借和交换中，也能使一幅悠久的画作与一位现代艺术爱好者对话。音频解说和智能手机应用，越来越普遍但还是需要工作，这是贴近艺术的一个令人兴奋的新方式的开始。说“开始”，因为还有很大的改善空间。在纽约的新画廊的一次恒星康定斯基展上，虽有它的音频解说，但对于乐曲的个别部分我还是不得不开启手机上的音乐播放器用耳机连接他的戏剧设计模式以欣赏“展览会之画”芭蕾舞曲，这样就完美地充当了墙上连排的挂式耳机或者音频游览设备的功能。我知道音乐很美妙，但是这种好不足以保证我在看古城堡系列的时候我不是在回忆“基辅之门”。太经常了，这种音频解说本身就是以一种令人不舒服的学院派古板语气表述的--这种语气就是某个更想去别地方的人的演讲。为什么不可以是对话式的，分享真实热情和兴趣的解说呢？开始负责地利用庞大闲置财富不是博物馆在科技改革中能抓住的唯一机会。真正关于访客体验的调研，在20世纪30年代和80年代中间短暂地兴起（多数发生在科技博物馆中）然后衰落，这样的调研能够给讲演提供信息所以实际上更好地起效了，而不仅仅是看好别的馆长和设计师们。现在，博物馆对它们的观众知之甚少，对那些不来参观的人了解更少。（例如，我们从哪得到的6秒钟就是停在一幅值得看的作品的最佳时间这种奇特的想法？--而且，难道确定这件事的不该是艺术博物馆的责任么？）扩建更多的空间（以及为它的维护和运营投入）明显是一条通向“更多接近艺术“的道路，至少对于现在参观的游客是这样的。那么那些不来参观的人呢？还是的，我们需要更多的关于背景和能力的调研，但是我的一所大型公立学校的学生们就简单地觉得自己在博物馆里没有被赋予艺术。当我带领他们实地考察，我可以感受到很强的抵触感和不安感：“如果我没看出它多么伟大，那么一定是我还不够格拥有它。”美术历史学知识和鉴赏力都很重要。但他们又不是全部，甚至不是关于艺术的全部。如果一个人可以进出每个大型博物馆又不知道有大量的关于能使艺术更重要、更有趣、更有意义的认知心理学和大脑科学的认知（因为接触的历史学家E.H. Gombrich心胸太狭隘而看不到）的调研会怎样呢？馆长小姐，你可能在艺术世界里高高在上地啄食着，但你不是Gombrich：向他学习吧！某位访客去德扬博物馆应该要他的孩子们带他去探索馆了解这个，真不需要什么原因。如果展览体制对作品有宗教和敬畏的情感取向的话，会不会伤害到艺术的社会关系？一个有点一维尺度的价值会有所帮助，这种价值不会再一份杰作的指标中挑出东西来，还会引导游客在寻找最著名的几个片段时候匆匆掠过奇景。确实，为什么博物馆不向我们展示一些流行的糟糕艺术，然后解释为什么会是坏的，再授权给我们去相信如果我们觉得这个或那个片段是愚蠢的或者骗人的，我们就可能是对的呢？证明是优秀作品并不是唯一有趣的或者重要的方式。为什么他们不是更愿意把许多东西卖个大价钱是流行的，劣质的或者愚蠢的（但可能还是有趣的）想法当娱乐，而是自己痛苦地给一只防腐鲨鱼或者另一只金属气球动物找借口？为什么我们看不见专家们互相争执辩论？管理的失败通常是始于统治的失败，而且博物馆董事会太注重富有的收藏家，太轻视心理学家，艺术家，教育家以及科学博物馆的馆长们。董事会选举是不公开的自我复制过程，集中于财富和社会地位，排除专业，判断和才学；大都会的负责人Thoms Hoving难忘地捕捉了这个任性的忙去用他的不灭的，“任何托管人都应该能够写下一张至少300万刀的支票，且对这个数字没什么感觉。”为什么成员们不选择一位或者两位受托人提供真正的指导呢？就算不提某个州的公民，即便是一个保龄球社团的成员也都有管理责任和授权的。像大都会或芝加哥那样顶级的博物馆负责人--当然是两个或三个在一起--可以像阿拉伯解散OPEC一样快地解决道德规范的交易障碍。然而，对于更有效更具创造性的藏品利用，其真正的进步将最可能以较小的或者专门化的博物馆和那些被像旧金山现代美术馆那样更小的藏家制约的博物馆开始。不幸的是，博物馆的声望啄序等级，某种程度上我们评估这些博物馆都是通过他们的藏品尺寸和名声，使恐龙从这些即兴的自适应的小生物身上学习变得极为困难，所以他们需要来自更大的机构的帮助。当然，更大的机构之一就是政府，包括（在美国）资助和补贴代理，像，国家艺术与人文捐赠资金，和国家科学基金的社会科学计划，以及像州检察长这样的监督者们。没有为他们的藏品价值估价和上报的博物馆就不应该有资格领取NEA（国家艺术捐赠基金）津贴。独特的美国制度授予那些“近政府”力量为免税非盈利机构代表，包括博物馆和财务会计标准委员会（FASB)，所以“艺术”政策的讨论也不得不参与那些机构本身的支配和实践。所有这些派别的首要任务就是具有可说明性，包括财务（至少，为它们的藏品估价）和运营两方面。第二点应该是施压去利用博物馆庞大的潜在财富全方位地创造，呃，更多，更好艺术体验这个短语。博物馆文化是深奥又根深蒂固的。发觉到我们的遗产的潜在价值，最终，将要求社会去和善但坚决地质问我们的这些机构，他们是否在尽其所能地使用这些被赠予的无价资源服务于大众利益。
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你真敬业。点赞！
标题【博物馆会有所转变，会么？】
原文标题一个 can，一个 will，都是“会”的意思吗？
你真敬业。点赞！
标题【博物馆会有所转变，会么？】
原文标题一个 can，一个 will，都是“会”的意思吗？
不好意思，有时候会不自觉的带上自己的中文语言习惯。通常can应该是具备做的能力，will是做的意愿，我们平时说话时候也有都用“会”的时候。他会（有能力）做披萨，但是他不会（意愿）给陌生人做。
语言是一种表情达意的工具，但两种语言交叉的时候可能有不同的交叉点。但是都可以商榷，目的当然是为了更好的传达意思。
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