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如何画好色彩?(请告诉我详细的步骤,谢谢!)
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　　水粉画是以水作为媒介,这一点,它与水彩画是相同的.所以,水粉画也可以画出水彩画一样的酣畅淋漓的效果.但是,它没有水彩画透明.它和油画也有相同点,就是它也有一定的覆盖能力.而与油画不同的是,油画是以油来作媒介,颜色的干湿几乎没有变化.而水粉画则不然,由于水粉画是以水加粉的形式来出现的,干湿变化很大.所以,它的表现力介于油画和水彩画之间.水彩画的特点是颜色透明,通过深色对浅色的叠加来表现对象.而水粉画的表现特点是处在不透明和半透明之间.如果在有颜色的底子上覆盖或叠加,那么这个过程,实际上是一个加法,底层的色彩多少都会对表层的颜色产生影响,这也就是它较难掌握的地方.但是,有经验的画家往往就是利用它的这种特性来表达水粉色彩自身的和特有的艺术魅力.　　【水粉画的基本技法】　　调色　　写生时调配色彩是建立在正确观察和理解对象的色彩关系的基础上.调配颜色不能孤立的看一块,调一块,画一块.而要考虑整个的色调和色彩关系,从整体中去决定每一块颜色.水粉画写生色彩不易衔接,也应该在明确色彩的大关系的基础上,把几个大色块的颜色加以试调,准备好再往上画.切忌脱离整体,看一块,调一块,画一块,接着又调一块改一块.水粉画颜色湿时深,干后浅,干湿变化明显.如果调色时使用粉(白色)多,或已经画了较厚的色层,再着色作画,又使用的是吸水性强得纸,颜料的干湿变化就更显著.这使水粉画调色不容易做出正确的估计.造成色彩衔接、覆盖和修改上的困难.这是水粉画的一个明显特色和难点.初学时要特别注意这个问题.所以入手时要先画重颜色.一般来说,趁画面湿时,颜色湿与湿比,一口气画完,色彩关系容易掌握.如果在一色已干的情况下再衔接、覆盖颜色,就要注意颜色的干湿变化.　　水的使用　　水的使用在水粉画中虽然不及水彩画中那样重要,但是也是不可忽视的.水,主要起稀释、媒介的作用.调色、用笔和色层薄变化,都与水的使用有密切关系.一般来说,适当地用水可以使画面有流畅、滋润、浑厚的效果.过多的用水则会减少色度,引起水渍、污点和水色淤积.而用水不足又会使颜色干枯、粘厚,难于用笔.通常用水以能流畅地用笔、盖住底色为宜.在画暗处、虚处和远处,一般可适当地多用水,以增强其虚远和透明感.从作画步骤来说.在铺大调子时水要用的多些,使色层较薄,便于再往上着色.在作画过程中,水太脏了要及时换.尤其是画色彩鲜明的部位,调色用水要洁净.　　白色的使用　　水粉画调色时白色的使用和油画相似,用的比一般颜色要多.调用白色的主要作用是增强色彩的明度,降低色彩的纯度,在画近处、实处和高光处时,多调用白色,有助于形体的塑造,使其鲜明、结实和突出.关于调色、水和白色的使用,还需要和用笔以及整个画面色彩的干湿、厚薄结合处理结合起来考虑,要从表现不同对象的需要出发,做到有变化而统一.总的来说,初学时要注意两种倾向：一种是过多的用水,不敢用鲜明厚实的色彩来塑造形象,造成画面缺乏色彩对比、形象单薄.另一种是过多地使用白色,不懂得恰当地用水的好处,而使画面“粉气”、滞闷.这两种毛病的产生,有的是与初学者先接触过水彩画或油画有关.先画过水彩画的,要防止第一种过多地用水的毛病.先画过油画的,则要避免第二种过多地调用白色的毛病.至于在有了一定的基础之后,水和白色的使用又常与作者的个人爱好、技法特点有关.爱用薄画法、湿画法作画的,一般水的使用便多些.而爱好厚画法、干画法作画的,水的使用便少,白色的使用则较多.　　用笔　　由于各种类型的笔都可以用来作水粉画,因此水粉画的用笔技巧是异常丰富的.并且是在借鉴油画.国画和水彩画笔法的过程中,不断加以发展的.水粉画中常见的笔法.　　“平笔法”——笔迹隐蔽.画面色层平整；　　“散除法”——笔迹显露,但色层厚薄变化不显著；　　“厚除法”——色层错综重叠,用色较厚、厚薄相间；　　“点彩法”——利用光色的空间、初觉混合原理,用密集的小笔触（色点）塑造形象.（这种笔法用得较少,较难掌握,初学时不宜过早效仿）　　此外,水粉画也吸收了油画的刀画技法.可用油画刀作画,也可用自制竹刀作画.水粉画在吸收其它画种的用笔技法时,必须从水粉画的特点、性能出发,目的是为了丰富水粉画的技法,增强水粉画的表现力.一般在画虚处、远处和暗部、阴影时,笔触要模糊些、平些、颜色薄一些,以增加虚远感.而在画近处、实处和亮部时,笔触则要显露些、颜色要厚一些,以增强其结实、突出、明晰的效果.当然这些都需要从整幅画的处理意图出发,运用不同的笔法.笔触也有一个整体性的问题.一幅画的用笔也要有变化而统一,形成一种节奏感.要防止缺乏整体处理意图的凌乱用笔.　　衔接　　水粉画由于颜色干得较快、干湿变化显著,又加之用水,颜色会在画面上流动,渗化和容易产生水渍,因此熟练地掌握好衔接技巧,对于画好水粉画关系很大.水粉画的衔接主要可以分为湿接、干接和压接这三种方法.　　所谓湿接,是邻接的色块趁前一块色尚未干时接上第二、三块颜色.或是两块相邻的颜色碰接上.或是一块颜色中趁湿点入其它颜色,让其渗化.再或在笔头的不同部位分别蘸上几种不同的颜色,画到纸上时利用笔肚的水分,让其自然化接.　　所谓干接,就是邻接的色块在前一块颜色已经干了的时候,再接上第二、三块颜色.　　所谓压接,就是相邻的色块（形体的转折或不同的物物体）,前一块色画得稍大于应有的形,第二、三个色块成一种节奏感.要防止缺乏整体处理意图的凌乱用笔.接上去时,是压放在前一块色上,压出前一块色应有的形.进行压接时,要注意颜色（压接上去的颜色）的盖色力和粘着性,一般来说压上去的这块色要比已画的色块稍厚一些.　　覆盖　　所谓覆盖,就是在已画的色层上再画上一层或数层颜色.覆盖的主要作用可以概括为两点：一是使画面色层重叠,厚薄有变化,是塑造形象的一种技法；二是一种修改方法.水粉画颜色的盖色力是比较强的,但又各有差异,加上作画时调用清水,覆盖时掌握不好就容易使底色（被覆盖的色层）泛起,产生水渍,造成色彩污浊.有时又故意用很薄的颜色覆盖,让底层色透露出来.这些具体效果都不容易估计,所以要掌握好覆盖技巧也并非易事,得慢慢捉摸.　　【水粉画的性能材料及作画工具】　　关于固有色　　固有色,就是物体本身所呈现的固有的色彩.对固有色的把握,主要是准确的把握物体的色相.　　由于固有色在一个物体中占有的面积最大,所以,对它的研究就显得十分重要.一般来讲,物体呈现固有色最明显的地方是受光面与背光面之间的中间部分,也就是素描调子中的灰部,我们称之为半调子或中间色彩.因为在这个范围内,物体受外部条件色彩的影响较少,它的变化主要是明度变化和色相本身的变化,它的饱和度也往往最高.　　范例1 A 《苹果与梨》（单个物体练习演示） A－1 通常我在画水果时,因为柠檬黄没有覆盖能力,所以利用柠檬黄颜色的透明性,先用柠檬黄薄涂一层打底,此目的是为了把握水果颜色的纯度与明度. A－2 从物体的暗部入手,用固有色加深颜色先画出物体的暗部,再用纯度较高的颜色画出固有色. A－3 在亮部加上一些浅黄色,形成苹果的调子关系. A－4 画出投影,提高苹果亮部的明度.注意亮部要偏冷. A－5 画出梨子的暗部与半调子. A－6 用笔锋扫暗部反光.在梨的亮部加上少许柠檬黄和白色,使亮部冷一些.用尖头笔画出梨和苹果把. A－7 加强梨的暗部.在苹果的亮部再做进一步塑造,使苹果的亮部色彩更丰富一些. A－8 完成以后的苹果和梨.　　范例2 As《苹果、梨、桔子》（单个物体练习演示）（说明）不同的水果呈现不同的固有色彩.　　[ 小技巧] 固有色摆在中间调子上. [妙点子] 冷颜色是浮在固有色上面的,它很微妙,切忌过冷,应与苹果的固有色保持联系.水粉画静物写生的着色步骤水粉画易于修改,初学者往往思想松懈,缺乏严格的方法步骤.应当每一步都不马虎潦草.有了严格的训练,才能进步得快,否则欲速则不达.　　（1 ）起稿开始象画素描一样,先用铅笔定位置和比例,不必用橡皮,以免损坏纸面,影响着色效果.接着用颜色定稿,根据静物的色调,用赭褐或群青色定稿皆可.色线可略重一点,并可用定稿　　之色薄薄地略示明暗,为下一步的着色作铺垫.造型能力强一些的,也可直接用色线起稿,不示明暗,直接着色.　　（2 ）铺大色调定稿之后,迅速地观察一下整体色调和大色块关系,做到胸有成竹,尽快地薄涂.此刻不要考虑形体与笔触,根据新鲜的色彩印象大胆挥洒,造成画面的色彩环境.有的人在完成上一遍色后,就急于具体刻划.应进一步调整大色块的关系,使色彩之间的关系和总的色调,与实际感觉相吻合.　　（3 ）具体塑造在大关系比较正确的基础上,进一步进行具体塑造,从画面主体物着手,逐个完成.集中画一件物体干湿变化易于掌握,也易于塑造其受光与背光不同面的色彩变化.此时眼睛要随时环扫周围,从局部入手但不能陷入局部,顾此失彼.要看该物体与背景和春他物体的关系,掌握分寸,细节可留下一步刻划.这一遍色用色要适当加厚,底色的正确部分可以保留,增加画面的色彩层次.　　（4 ）细节刻划对琐碎多余的细节固然可省略,但对表现物象特征与质感的重要细节应加强刻划,画龙点睛.细节要综合到整体之中.最后的笔触最为重要,它将不被覆盖而显露给欣赏者.　　（5 ）调整、完成画室外一幅静物写生,作为基本练习一般以八小时为宜,力求深刻准确.熟练之后三、四个小时也可以表现得比较充分.作画时间较长,眼睛容易疲劳,色感容易减弱,具体刻划又容易忘记整体.在写生接近完成的时候,恢复一下第一印象,检查一下画面：在深入刻划时是否有些地方破坏了整体,局部和细节的色彩有没有“跳出”画面,还有没有其他毛病.检查后,调整、修改、加工.错误之处,如画得太厚,要洗掉再画,直至完成.水粉画中干和湿的技法应控制到什么程度?有哪些应用范围?水粉画运用的干湿技法,主要指调色时含水和白粉量的多少.　　干画法：就是说水少粉多的意思,这种画法多采用挤干笔头所含水分,调色时不加水或少加水,使颜料成一种膏糊状,先深后浅,从大面到细部,一遍遍地覆盖和深入,越画越充分,并随着由深到浅的进展,不断调入更多的白粉来提亮画面.干画法运笔比较涩滞,而且呈枯干状,但比较具体和结实,便于表现肯定而明确的形体与色彩,如物体凹凸分明处,画中主体物的亮部及精彩的细节刻画.这种画法非常注重落笔,力求观察准确,下笔肯定,每一笔下去都代表一定的形体与色彩关系.干画法也有它的缺点,画面过多的采用此法,加上运用技巧不当,会造成画面干枯和呆板.但干画法的色彩干后变化小,对于练习色彩收效较大,也容易掌握.　　湿画法：此法与干画法相反,用水多,用粉少.它吸收了水彩画及国画泼墨的技法,也最能发挥水粉画运用“水”的好处,用水分稀释颜料渲染而成.湿画法也可以利用纸和颜色的透明来求得像水彩那样的明快与清爽.但它所采用的湿技法比画水彩要求更高,由于水粉颜料颗粒粗,就要求湿画时必须看准画面,湿画部位一次渲染成功,过多的涂抹或多遍涂抹必然造成画面灰而腻.但这种画法运笔流畅自如,效果滋润柔和,特别适于画结构松散的物体和虚淡的背景以及物体含糊不清的暗面.如发挥得当,它能表现出一种浑然一体和痛快淋漓的生动韵味.它的色彩借助水的流动与相互渗透,有时会出现意想不到的效果.为制造这种湿效果,不但颜料要加水稀释,画纸也要根据局部和整体的需要用水打湿,以此保证湿的时间和色彩衔接自然.有关湿画法的控制及实际操作运用,上述画法步骤中已讲得很多,不再一一细述.　　水粉画干湿画法的特点以及应用范围,基本上如前所述.要特别说明的是：干画法与湿画法的分界是以画笔含水量的多少来决定,一般人认为用粉及用色多了,画得厚了,就是干画法,这不准确,因为必须是粉多、色多、水少才成为干画法.也有人认为粉少、画得薄就是湿画法,这也不确切,只有稀释颜料用水多的情况下才能成为湿画法.因此,可以说有粉多的干画法,也有粉少的干画法.与此相反,湿画法也有粉多湿画法和粉少的湿画法.但不管干也好,湿也罢,仍然以粉使用之得当为佳,这样才不失水粉画的特点.干画法和湿画法,二者在作画时应交叉运用,只是根据画面实际需要,有的湿画法运用多一些,有的干画法运用多一些.如果一幅画用水过多,全部采用湿画法来处理画面,就容易造成失控,使物体松散,并失去色彩光泽.同样,全部采用干画法,靠堆积的颜色和白粉不断加厚画面,就会出现死板、干裂和颜色脱落的情况,画面也难以长期保存.　　总之,干、湿画法只有根据作画步骤,由湿到干、由薄到厚的顺序合理运,才能发挥干、湿技巧的最佳效果.这是一般的作画过程所遵守的原则,真正运用还要在实践中根据画面要求灵活掌握.水粉静物画技法第一步：这种平摆浮搁的构图给人的感觉很自然,也是一种构图形式.单色起底.用色要注意,造型要准确.第二步：这是一幅紫颜色的画面,紫色不易反复画.第一遍的颜色要争取画准确,使下一步能有一个好的基础.黄与紫是强对比色,通过玻璃盘的灰紫色；把两种对比较强的颜色连接起来,把粉紫色衬布上的梨和桔子的暗部色画得偏桔偏暖、形成对比,很有颜色感、瓷瓶和瓷碗的反射能力较强,在背光的暖颜色加了紫色的成分,使整体颜色处在变化统一的色彩气氛中,很响亮鲜明.第三步：用干画法表现塑造桃子的质感.用小笔调一下的黄绿色,画出桃子的微妙变化；如背光、反光、倒影、桃子之间的缝隙.而粉紫衬布上的黄梨颜色调得很饱和,水分适当.如浅黄加白至中黄过渡到桔加绿,在颜色湿的时候进行衔接,笔触含蓄,表现出梨的光泽质感和韵味.花瓶受光部分的花纹可画虚些,偏蓝紫味.而转折部画的实些,背光带绿味.这一步要注意画面的虚实、强弱、冷暖变化.第四步：这一步是收口工作,要求准而精、一定要整体观察.影响整体关系的地方要毫不犹豫改掉,如花瓶背光的调整,调普蓝加熟褐画出背光里的花纹变化,边缘处调点紫色,明度与后边的衬布接近,使之边缘线含到背光里面,空间感比原来要好多了.桃子之间的关系有些过实,缝隙过重可带点暖色减弱些.玻璃酒杯的边缘用小笔细心画出细线,提出质感、粉衬布靠里边一些地方加了些冷灰色.白碗里的梨边缘也带了几笔.前后形成色彩的透视变化和画面的整体协调感.使画面更完整.第五步：调整画面,细部的地方,大体的画面要处理好,杂乱的东西要除去.　　水粉画的着色方法：水粉画颜色有较强覆盖能力,但也不能毫无顾及地随便乱涂,它有自己一定的着色方法和步骤.　　从着色顺序方面有如下几种：　　1、从整体到局部水粉画是色彩画的一种,它同水彩、油画一样,都是从画大色块入手.整体着眼和从大体入手是我们的作画原则,大色块和大片色,对画面色调起决定性作用,应首先画准组成画面的主要色块的色彩关系,然后再进行局部的塑造和细节刻划.　　2、从深重色到明亮色明亮色多是厚涂,一遍遍薄涂亮不起来.先画深重色,容易被明亮色覆盖；相反,一般是先画面积较大的深重色（包括暗部和明部和重色）,予以确定画面色彩的骨架.逐步向中间色和明亮色推移.以明亮色为主的画面,还是要先涂明亮的大色块,颜色稍薄一点,局部小面积的深重色后加上去.如果中间色为主,作画时先涂中间色,运用并置的方法,分别向面积较小的暗色的明亮色画过去.方法不是死的,要根据情况灵活掌握.　　3、从薄涂到厚画薄涂即用水稀释颜料,如同画水彩画,根据总的色彩感觉,迅速地薄涂一遍,造成画面整体的色彩环境,尔后逐渐加厚,深入表现.薄涂比较正确的地方要善于保留,使画面色彩有厚有薄,以增加色彩有层次和厚重的效果.粉画颜料不象油画、丙烯颜料附着力强,可随意画厚.水粉画的厚涂要厚的适当,过厚容易龟裂脱落,所以较厚而不准的颜色应洗掉再画.　　具体着色的技法应掌握下列几种：　　（1 ）干画法和湿画法在水粉画中,干画法一般是指厚涂重叠的方法.此法可以反复地画,一遍不行再画一遍,表现对象比较充分、深刻,也宜于初学者掌握.这种厚画的画面,类似油画的效果,有浑厚之感.湿画法是以薄画为主,发挥水色渗化的效果,着色遍数不宜多,甚至白色部分可以空出白纸,具有水彩画湿润流动的意趣.当然,一些局部加厚也是可以的,干湿结合会增强表现力.　　（2 ）并置和重置并置是笔触在画纸上并列摆置,着色遍数较少,开始用色即厚一些.如强调二度空间的画面.先用毛粗暴色线勾一下轮廓及结构,添色时用并置的方法把颜色摆上去,压出色线.　　重置是一种叠色的方法,以色点、色线、色块进行重叠着色.作画大都是重置与并置结合运用,以利充分地表现对象.　　（3 ）干湿变化的掌握颜色干湿变化是水粉颜料的特性之一.将颜色涂在画纸上,湿时感觉比较恰当,干后才会发现变淡变灰一些.不了解这一特性往往给着色带来被动.掌握这一特性,事先预计干后的效果,可避免后加之色成为不协调的“补钉”.作画时,应从薄到厚进行着色.先厚画再薄涂干湿变化大；先薄画,逐步减少用水画厚,干湿变化不明显,较易掌握.修改画面时也适合厚涂.也可在要修改的周围涂一点清水,修改的部分干后就会自然统一.　　（4 ）色彩的衔接画面需两块颜色衔接要自然,从明到暗要过渡圆润,色彩要衔接恰当.方法有三： a、利用湿画,使明色与暗色、此色与彼色,由于水的作用交互渗化,这样效果会自然而柔润.一遍不行,可照此方法再画一遍.b 、在两色之间用中间明度的颜色画上去,虽有明显笔痕,远看过渡自然.c 、两色衔接生硬之处,可用其中一色在邻接处干扫几下,增加过渡的色阶.也可用笔蘸少量清水在生硬之处轻扫几下,使两色衔接处从明度或色彩方面揉出过渡层次,转折即会自然.　　（5 ）用笔笔色在纸面上运动,出现笔痕,即谓笔触.一般通过画面中的笔触可以看出画家大致的作画顺序和怎样用笔来塑造对象的,用笔不是目的,是一种表现手段,许多画家的笔法是有所区别的,有的大笔纵横,有的小笔点绘.哪一种笔法好呢?怎样用笔才对?应该从表现对象的目的着眼,根据不同物象的不同结构、不同质感和作者的不同感受,立足于表现.要从表现对象出发,为表现形体结构和色彩,灵活运用涂、摆、点、勾、堆、扫等各种笔法进行描绘.　　【水粉色彩纯度与明度的局限性】　　水粉画在湿的时候,它颜色的饱和度和油画一样很高,而干后,由于粉的作用及颜色失去光泽,饱和度大幅度降低,这就是它颜色纯度的局限性.　　水粉明度的提高是通过稀释、加粉或含粉质颜料较多的浅颜色来实现的.它的干湿变化非常之大,往往有些颜色只加少许的粉,在湿时和干时,其明度就表现出或深或浅的差别.由于水粉画干后颜色普遍变浅,所以,运用好粉是水粉画技术上最难解决的问题.而含粉的色彩又恰恰是水粉画的魅力所在,它使画面的颜色充满水粉画特有的“粉”的品质,而出现特别丰富的中间色彩.　　【水粉画颜料的个性差异】　　水粉颜料大部分颜色是比较稳定的,如土黄、土红、赭石、桔黄、中黄、淡黄、橄榄绿、粉绿、群青、钴蓝、湖蓝等等.但是,水粉颜料中的深红、玫瑰红、青莲、紫罗兰等颜色就极不稳定,容易出现翻色,不易覆盖.水粉颜色的透明色彩种类较少,只有柠檬黄、玫瑰红、青莲等少数几种颜色,要画好水粉画就必须充分掌握水粉各颜料的个性,了解它的受色能力的强弱、覆盖能力的大小、色价的高低.这些问题都要通过不断实践,做到熟能生巧.　　【作画工具的选择】　　现在市场流行的水粉笔不外乎三大类——羊毫、狼毫及尼龙毛笔.羊毫的特点是含水量较大,醮色较多,优点是一笔颜色涂出的面积较大,缺点是由于含水量太大,画出的笔触容易浑浊,不太适合于细节刻画.狼毫的特点是含水量较少,比羊毫的弹性要好,适合于局部细节的刻画.随着现代化工业的进步,市面上大量流行尼龙毛笔,在选择尼龙毛笔的时候,要特别注意它的质地,要软且具有弹性,切忌笔锋过硬.过硬笔锋的笔往往很难醮上颜料,在画面上容易拖起下面的颜色,使覆盖力大为降低.在选择笔的形状上,不同的种类都选择一些,如扁头、尖头、刀笔等,以备不同场合,不同题材的作画之需.　　颜料最好使用正宗美术用品生产厂家生产的锡管装的专业产?品,它膏体细腻,色彩较饱和.切勿被廉价的劣质产品所迷惑.在纸张的选择上,应选用有纹理的优质水彩画纸作画,吸水性不能太强.有些劣质的纸张,不但吸水还吸颜色,使颜色干后发黑,用这样的纸张作画,画面的颜色难以明快亮丽.
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篇一：绘画色彩之感受 绘画色彩之感受
从史料得知，我国从周朝解答研究色彩，以朱、赤称深红色。把黑白玄（没有光泽的黑色）称为色，把青、黄、赤称为彩，合起来叫色彩。 色彩应该密切结合实际，增强绘画的自觉性，自我修养的反映就是控制画面。“只有光的出现，才能见到色彩”。正式研究色彩是从公元1616年开始，那时有人用三棱镜观察的光由七色光构成。解释了人的色彩感觉是由光产生的。十九世纪英奈提出：（1）色是光之子，光是色之母。（2）阴影并不缺乏色彩。（3）光线的反射是产生色彩和谐的基因。 以上论点的提出，对现在的绘画有极大的现实意义，下面就色彩做以下归纳。 一、色彩的变化——对比、渐变、重复 A、对比：色彩对比是色与色之间的相互关系，，特别是研究两种颜色并列对比所产生的变化及其特殊的效果，讲色彩对比，就是讲色彩的矛盾、色彩的对立统一、画面的色彩，它既统一在一个色调里，又有红绿、冷暖、明暗、浓淡、轻重、鲜明与混浊、响亮与低沉等对比因素。这种对比差异越大，对比也越强烈。对比越小，越趋于调和。正因为有了这些对比画面色彩才有生气，在作画过程要正确的观察物体的色彩必须通过不断的比较，因为画幅中的人物景的色彩是互相联系、互相影响的。比如穿灰衣服的学生，走到黑板前，灰衣服就显得亮而偏暖，走到白墙前，灰衣服骤然变得深了起来，这都是色与色的对比作用，在不同的环境对比下而产生的不同效果。 小结：物体的颜色不仅与光源照射的条件有关，而且在周围环境颜色的对比影响下，将对物体的色彩在色相，明度，纯度方面起着一定的变化。 现将色相、明度、纯度三方面的对比分别叙述： 色相对比：色相对比在绘画上一般是指红与绿，黄与紫，蓝与橙的对比，也包含色彩冷暖的对比，当两色并列时，凡是属于对比色关系（补色关系），则两色各增加其鲜明度，补色以外的并列。同上面一样，也是倾向于相对色的补色，而受另一色的影响而变色相。如黄与红并列，黄就倾向于黄绿，红就倾向于红紫。使原来很响亮的两块颜色相互抵消。灰与红并列，灰就便冷，有灰绿的感觉，红的更红，以对比色为主组成的画面或图案，如纯度较高，色彩感觉是极其活跃，热烈的，但要使用恰当，不能乱套。 明度对比：即素描上的暗度的对比。包括同一种色彩不同明度对比和不同色彩不同明度对比。当黑白并列，黑者更黑，白的更白，如把这规律引伸开去，色彩的明度对比也不例外。当黄与兰并列，就明者更明，暗者更暗。如果柠黄与中黄并列，对比效果就极差，古人配色有“青紫不并列，黄白不肩随”的说法，也是此理。这说明，不同颜色放在一起时，在明暗层次上距离越远，对比越强烈，距离近对比越弱，也越调和。所以把黄放在普蓝上面，黄色显得浅而明亮，放在白纸上却浓而无味，这就是明度对比所产生的效果。 纯度对比：即鲜明色彩（纯度高的）与灰调色彩（纯度低）的对比，也包括纯与纯、灰与灰的色彩对比。绘画色彩以标准色的纯度为最高，互为补色的两色混合，纯度极低。当纯色与复色并列是，纯色显得更纯，复色显得更灰，纯色与纯色并列时，如色相邻的就互相倾向于相对色的补色，随之纯度有所降低。如纯橙与纯黄相比，橙倾向于红，黄倾向于绿。其结果不是亮了，而是暗了。纯色彩是鲜明的，实的，重的，跳跃的。灰的色彩是不鲜明的，虚的，轻的，隐隐约约的，一般规律如此。鲜明的纯度较的颜色是依靠灰调的，不纯的颜色对比衬托出来。对比色的配合要注意纯度的变化，务必使其一个强一个弱，一个艳一个灰，一个明一个暗。 B、渐变：色彩渐变是一种色彩逐渐变到另一种色彩的过程。渐变来源于生活，如一年四季的更迭，在一天之中，早晨、中午、傍晚光源色的逐渐转换，由远到近色彩有规律的变化等都是色彩渐变的过程。色彩渐变在绘画上应用广泛，尤其表现在风景画的天空，地面的色彩变化，景物之的感，距离感等，如成排的建筑，近扥亮，远的灰，逐渐变化等。 色彩渐变不同于对比那么强烈，它是一种多次序，多层次的色彩变化，不知不觉的较为和谐的联系着，变动着。在运用渐变的色彩方法时和运用对比一样，应该注意如何加以协调统一的问题。 C、重复：色彩重复是指一种颜色在前后不同空间层次上有规律的再三出现。由于某一种颜色在画面的近景、中景、远景，在三重复出现，使画面的色彩取得联系，前后呼应。但也要有规律，有选择的去重复，不能乱用。如果无规律无目的的去重复，就会使画面色彩变为雷同，千篇一律，单调枯燥。 二、色彩的透视： 形成透视的原因：（1）角度、纵深距离。（2）视平线的高低。 色彩透视呈现的原因：（1）纵深距离的大小。（2）天气的影响。 如：一排同样同时代的建筑，因角度距离不同存在不同的变化。在绘画中，湿画法和干画法的运用与透视有关，近干远湿，近艳远灰，近实远虚。 三、色彩的协调统一（色调、调和、均衡、呼应） 色调：亦称调子，是画面统一的色彩倾向。每一幅都有自己独到的表现形式和色彩调子，它是绘画、色彩统一的重要因素，画面缺乏色调或调子不明确，也就无从谈起色彩和谐统一。 调子是怎样产生的呢？自然界由于光源、气候、时令、环境的变迁，本来就存在着各种各样的色调，在一定明度，色的光源照射下，各种物体表面都笼罩着统一的色彩倾向，这种统一的色彩就是色调，可是形成色调的关键是光源色的变换，我们在写生时琢磨色调，就一定明确光源和色相明度。 色彩变换众多，究竟如何具体分析色彩的调子呢？早晨、中午、傍晚、还是晴天、雨天，光照强弱不同，使色调在明暗层次上变幻极多，不过在绘画上大体分为明调、灰调、暗调三种，色调上有红调、黄调、绿调、蓝调等之分，色彩性能上冷调、暖调、中性调等区别。应该说，画面的调子来自生活，高于生活。但又不是自然主义的消极反映，作者抓住了丰富多彩的生活，自然界中本质的，主要的，必要的东西，并对丰富的感性材料加以“去粗取精、去伪存真、由此及彼，由表及里”的一番改造加工以后才产生的，因此绘画的色调比自然的色调更概括，更集中，更强烈。 四、绘画色彩之感受 一幅画面的色彩就如同一首交响曲，要有节奏感和韵律感。那么，一幅画面的节奏和韵律感是指什么呢！我认为就是对整个画面的把握，如从色相、明度、纯度、冷暖、浓淡、轻重、响亮与低沉、鲜明与混浊，色彩的“个性”要服从于整幅画面的调子等的把握。如果一幅画面失去这些东西，画将非画也！只有这样，才能使画面有生机，有生命，才能够吸引住别人的目光，才有斟酌的余地，同时也可能给观者留下回味无穷的遐想空间。篇二：@色彩 色彩心得 刚上这门课程的时候，我觉得很有意思，刚开始我认为设计色彩和我们高考所画的色彩没有什么大的出入，我觉得好简单，但事实并不是我想的那么简单，设计色彩的广义范围相当大，它的领域几乎及人类一切有目的的活动。有关对设计色彩的定义几观点也颇具争议，但作为我们平面设计，包装设计等一些特殊的设计概论是建议在一个共同基点上的，首先我们已经在考取学校的时候学过色彩，我们大家都有一些底子能力了，对色彩的色感能力了解，在课程的第一节课我们来对自然色彩认识丰富我们的视觉色彩感知，更多的拓展色域，这个是我们基础能力的训练，更多的训练了我的手和脑配合能力。 如果不使用语言进行交流的话，色彩是传递信息和表达意思最快捷的方法。通过(转 载 于: 写论文网:画色彩的心得)了几周的学习，明白了关于设计色彩的知识。色彩的多样和多变性，给课程内容带来了丰富，有画色环图，听音乐画画，空间混合等等，让我学到了以前没有学习到的知识点，比如色相，孟塞尔的色相原理。 比如色相环图和做空间混合（两者都有很大的相似）都是要求掌握对色彩把握度、明度等的一种训练，也明白了色彩是对比出来的，相同的颜色放在不同的对比里，会呈现不同的差比；当在做色环图的时候，就觉得作业量是可以对付的，但做到马赛克那部分的作业时，才明白这一部分的空间混合真实大费时间了！我后来做着才知道，这种做法以后自己也可以用来家居上的装饰，把自己的心血一点一滴的框在一幅作品中，很有成就感。老师在平时我们交上作业后从不怎么评讲，而是在我们画的过程中进行简单的指点。最后我才明白其实老师在布置作业的类型是就已经是一种无形的“评讲”，这种把发觉作业的潜质内容教给我们，让我们自己给自己“上课”，从中学习，。因为在画的过程中，我们就已经在不断的探索、研究：如何画起，色彩在主题里发挥的作用是什么，构成、协调等等都是我们自己不断摸索的过程，这是老师用课本、口头上传授不到的，只有实践才会明白。 设计色彩的作业是繁重的，也需要花时间去完成。在课程即将结束时，我在这里不仅要感谢老师的特殊教学方式，更是能从中衍生不少对日后有关的学习方法，设计色彩是每个领域都要设计到的其中一种，而生活上也随处都有“设计色彩”。我们应该不只从课程的结束就满足所学的知识，更应该学更多，不停止的思考和学习！ 学完这门课程使我深入认识、了解、表现自然物象的手段，进而可以主动自如的表现对象，以意取象，以艺造物 来表现，但是我造型能力还需要加强，在今后的日子里面会会慢慢走上去的，我相信自已能，加油！篇三：色彩心得
色彩心得 通过有郭老师带领的几周的学习，明白了关于设计色彩的知识。色彩的多样和多变性，给课程内容带来了丰富，比如色相环图和做空间混合（两者都有很大的相似）都是要求掌握对色彩把握度、明度等的一种训练，也明白了色彩是对比出来的，相同的颜色放在不同的对比里，会呈现不同的差比，我也努力的按照老师的指导把自己的心血一点一滴的框在一幅作品中，很有成就感。 学习中我们要学会感受，通过感受、欣赏和讨论等学习过程，使我充分体会三种颜色给人们的不同感受及其使画面产生特有的魅力与美感。使我学会感知色彩现象，从中体验红色带给人热烈的，喜庆的，奔放的美感，黄色带给人明亮的、温馨的感觉，蓝色带给人们凉爽的，清净的感觉。为了让往后有意识的去运用和设计色彩埋下伏笔，从而激发我们学习色彩的兴趣，在课程里的图片资料不仅为我们提供了大量的视觉感受，不仅提供了思考、交流、学习的空间，侯佳彤老师以“学生自评自演”的评讲形式打破旧的传统教育方式，力求构建一个轻松愉快，自主，合作的课堂教学体系。充分调动学生的积极性，主动性，使我们在轻松的课堂氛围中不知不觉获取知识，真正体会到求知的乐趣，她从我们的视觉感受和心理特点出发，达到教学内容与教学过程完美统一。 记得最初的我只能通过相关的色彩书籍“有幸”目睹一些色彩很丰富，视觉效果很好，但却不知它真正卖点是什么的东西。自从上了“设计色彩”这门课，我才知道色彩的魔力有多大。现在让我回顾一下在这短短的学习期间我的收获吧！ 设计色彩课让我吸收了色彩密码,色彩牵涉的学问很多，包含了美学、光学、心理学和民俗学等。心理学家近年提出色彩与人类心理关系的理论。他们指出每一种色彩都具有象征意义，当视觉接到某种颜色，大脑神经便会接收色彩发放的讯号，即使产生联想。例如红色象征热情，却也象征危险，所以不同的人，对同一种颜色的密码，会作出截然不同的诠释。除此之外，个人的年龄，性别，职业，他所身处的社会文化和教育背景，都会使人对同一个色彩产生不同联想，现在谈不上十分会欣赏色彩，只能说显浅去欣赏。所以欣赏的都是自然色所占的比例会多些，因为自然色是基本色。纯度一般较高点，其次欣赏的是对比色相明度较高。视觉较强的效果，能与众不同，给人新鲜感之外，还能刺激人们的心理。 现在谈谈我对色彩的理解：除了以上的理解之外，我还知道色彩的三原色是红、黄、蓝。其有冷暖色之分，而不同颜色能给人的心理也不同，就像红色给人热情，蓝色给人冰凉，黄色给人阳光一样。金色以及紫色是丘比特色等等。在日常生活中，颜色基本霸占了整个地球，物体都以不同的固有色生存在地球上的每一个角落。人们都运用不同的颜色去表达其所属物的色彩，就像手袋就有N种颜色。还有颜色与颜色的混合色及对比色，如：红+蓝=紫，红绿、橙蓝和黄紫是对比色一样。色彩无处不在。只要是颜色，就能找出与别不同的创新色彩。色彩自然色有红，蓝，黄，青，靛，紫。其是大自然中七种固有色。色彩消失的世界，就不失所云了。 关注颜色而漠视对象的形体是它的标志。画一个形体，不会去在意对象画准了没，结构画对了没，只看那是个什么颜色。练习时，眼中看到的，不是对象的形态，而是它的颜色，而颜色在光的照耀下，变得丰富多彩，照着颜色画，形成了拘束。形画烂了都没关系，颜色画准都了可以改，颜色画丰富了，再考虑形的问题。无非把多余的轮廓线用别的颜色盖住，缺少的轮廓线再添加，转折结构上个重色一带就行了。 第一堂课，郭老师让我们先自己随意画一张水粉作业，郭老师看了我们的画之后，细心的教导了我们，已经进入了大学，是一个新的环境，在美术专业的学习上也要进入一个新的阶段，而不是停留在美术备考阶段的为了应试的单一的色彩和枯燥的塑造上。我们应该在之前的基础上发挥自己能动的表现力与创造力，达到每个物于物，情与景之间互相和谐融合，让每个我们塑造出来的东西赋予我们自己的思想与情感，而不是像照相机那样原封不动的照搬。这样，即便我们画的是同一个景，每个人所表达的效果却是赋有鲜活个性的。 我开始尝试新的水粉画法，将以前的思维方式抛之脑后，开始大胆“创作”。为了追求颜色的多样化，我在调颜色的时候常常将许多颜色加在一起。然而适得其反，每个物体都变得灰，鲜亮不起来，太花不够纯，并且显得脏。总是在作画的过程中不自觉的就回到从前的美术备考的感觉中。正当我困惑不知所措的时候，郭老师说可以我们临摹西方印象派大师的作品。学习水粉要求学习者对自己有一个比较高的标准，不要跟随着潮流走，潮流常是靠不住的，可靠的是历史，美术史上的诸多大师才是我们学习的对象。莫奈的画，常常给我一种轻松怡然的感觉。色彩丰富，笔触多而不乱。我开始尝试将我的画中颜色变得更整体一些。相比梵高浓烈的对比色，红绿对比，对黄的微妙变化，我更喜欢莫奈清淡的唯美的风格。当然，现在刚刚学习色彩我还没有形成自己的一套风格，但是通过老师教我们鉴赏各个大师的作品，我慢慢有了自己较倾向的风格，并在别人的画中吸取精髓，得到自己的启示。看到同学们的画，有许多是值得自己借鉴的地方。在一个集体里手绘功底有你上我下的差距，但这不是重要的。重要的是如何使自己能在好同学那里学到他的长处。而使自己进步地更为速度，这一点也可以归功于平时同学之间的互相交流与指点。 在人类物质生活和精神生活发展的过程中，色彩始终焕发着神奇的魅力。人们不仅发现、观察、创造、欣赏着绚丽缤纷的色彩世界，还通过日久天长的时代变迁不断深化着对色彩的认识和运用。人们对色彩的认识、运用过程是从感性升华到理性的过程。所谓理性色彩,就是借助人所独具的判断、推理、演绎等抽象思维能力，将从大自然中直接感受到的纷繁复杂的色彩印象予以规律性的揭示，从而形成色彩的理论和法则，并运用于色彩实践。 画色彩说简单简单，就是画出颜色，说难也难，很难完全摆脱画形的意识。色彩，色，颜色。彩，多彩。要画出颜色，任何地方都要有颜色倾向，不能是单纯的固有色的平铺。太阳光永远都是由红绿黄紫青蓝橙七种颜色构成的白光，当这束光照在一个物体上的时候，必然会反射出其中的一些光彩。不可能完全反射固有色。那么画固有色肯定是错误的，其实固有色是由相当丰富的跟固有色有一定联系的色彩构成的。如果把对象拍照并分析对象的色素，一定会发现看似简单的固有色中，有着极为丰富的变化。而色彩的目标就是把握这种变化，画出这种变化。如果单纯画固有色，画形，画结构，那不是色彩，是一幅像素特别低的照片。如果抛弃对形的观察，全心关注对象的颜色，那才是色彩。色彩中颜色的定义和多彩的定义就在于此。 色彩，说它又简单又难，原因就在这里。在于你是否能训练出关于颜色的意识领域，能否胆大到摒弃一切形态。当你不能做到时，色彩难，你要考虑光影，要考虑结构，既复杂，道路又不对。当你能做到时，色彩不就是画颜色罢了，除了涂鸦，更多的是画者对整个事与物情与景的艺术描述与抒发。正如同一首歌或一行诗，当看画的人从画中读懂了你的心情，你的画便是成功的。 经过这段时间的学习，我对于设计有了进一步的了解，在今后的学习中一定要注意积累自己的设计知识，提升自己的设计内涵，多关注别人的设计思维，了解世界前沿设计方案。相信在不远的今后我会设计出自己满意的作品，本&&篇:《》来源于:
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