十七世纪巴洛克时期西班牙著名画家——巴托洛梅·埃斯特万·牟利罗

巴托洛梅·埃斯特万·牟利罗(BartolomeEstebanMurillo，)十七世纪巴洛克时期西班牙画家。是17世纪西班牙画坛群英中最年轻的画家。牟利罗作品中有许多是描绘下层人民生活的，《吃西瓜的孩子》可以说是他的代表作。一般为人所熟知的是宗教画，如《云中的圣母》、《圣家族》等。

牟利罗生于塞维利亚，但是和委拉斯凯兹不一样，初期不得不过着相当不幸的生活。还在刚刚十五、六岁的少年时期，牟利罗失去双亲，成了孤儿;而且还有小的弟妹，不得不由他来抚养。他既壮实，又有绘画的才能，就靠这一点，到人们聚集的市场去，画即兴的速写，也画输送到美国新大陆的小型宗教画来攒钱。这样勤奋努力才勉强有点余钱到马德里去，在那里被同乡前辈委拉斯凯兹所赏识，初次获得了画家的声誉。

　　牟利罗从只对宗教题材作世俗描绘，到表现儿童日常生活的情景，在取材上跨出了一大步。他的画开始出现一些掷骰子或吃水果、面带笑容的乞丐儿童，然而，牟立罗感兴趣的，只在于叙述丐童玩边吃边玩耍的生动画面，并不涉及任何道德层面或社会批判。在此画中，主角人物脸部和手的姿势自然而真实：右边拿瓜的少年嘴里塞得满满的，脸颊都鼓起来了，他的伙伴将一串葡萄送进嘴里，正看着他，形成一幅极富生命力的画面，看画的人似乎可以听到这两个小孩，嘴里装满食物还一边说着话那含糊不清的口音。牟立罗画里的许多细节，充分表现出他的才华。例如吃葡萄的小孩微仰的下巴、准备咬葡萄的嘴唇，尤其望着旁边孩子的眼睛特别生动。拿瓜的少年，仔细看指甲里还有些积垢，两个街头流浪者的形象跃然而出，确实是精彩的一笔。

　　这是一幅深藏着一片至诚和宗教情怀的想象画作，描绘了圣母在天国中的景象。笔法轻柔，色彩富丽美妙，浴于和煦的光亮，使整个画面放射出温柔的气氛。嬉戏的裸童环绕着圣母，好像一晕。构图追随17世纪西班牙艺术理论的指引，用色则燃烧着牟利罗独有的精神奉献印记。

他在马德里获得成功之后，又回到故乡塞维利亚，牟尼罗一生的大部分时间在故乡塞尔维亚度过。在早年写实倾向强烈的绘画里，那阴暗的处理似乎显示着苏巴朗的影响。不到30岁，他就以11幅一套的组画(这是为当地芳济各修道院描绘芳济各会诸圣徒生平的大作)，树立起自己的威望，前辈苏巴朗的地位被他取代，从此他是塞尔维亚最着名的画家。1660年，牟利罗在莱亚尔和小埃雷拉的协助下，创办了塞尔维亚绘画学院，成为该院首任院长，在故乡塞尔维亚那里终其一生。

　　《圣母与圣婴》() 画布油彩 155*107公分 收藏佛罗伦萨碧提宫

　　如考察牟利罗的艺术，会使人觉得力量不足，在这方面是不能和埃尔·格列柯等相比的，如和委拉斯凯兹比较，总有点女性化的纤弱，而缺乏贵族的威严。究其原因，可能是因为在牟利罗的时代，西班牙的王权和国力已经开始走下坡路。西班牙军队获得胜利的最后一仗，就是那次布列达之战。布列达城后来也再次宣布独立，打败西班牙军队以后，荷兰成为新教国家，完全独立。西班牙在海外的殖民地也相继被英国等其他国家蚕食。牟利罗的艺术就是出现在那个时代。因此，牟利罗的艺术不能说是完全巴罗克式的，不过是顺便把他作为巴罗克艺术衰落期的产物加以论述。

《圣母纯洁受胎》现藏西班牙普拉多美术馆

　　但是，牟利罗的作品由于它那女性化的柔弱甜蜜的感情而为许多人喜欢，有一个时候甚至被称为西班牙第一流画家。当然今天稍有眼力的人都会把埃尔·格列柯和委拉斯凯兹以及十九世纪的哥雅称为西班牙三大家，而牟利罗下降一级，称之为通俗画家。作为西班牙黄金时代的绘画大师牟利罗，是17世纪艺术界巨匠之一，他生前荣获过塞维利亚大教堂主教授予的“当代最高的荣誉冠冕”，因此被尊称为“西班牙的圣母画家”。

他绘画技法精湛，对色彩和光线掌握极佳，使得画面呈现出柔和甜美的抒情感，在当时宗教题材绘画中独占鳌头。牟利罗还具有西班牙画家的写实主义倾向，他描绘圣者的姿容，具有鲜活的个性和真实感。由于丰富的生活经历，他一生不仅留下许多写实的肖像画和自画像，还留下许多描绘下层人民生活的作品，如描绘儿童、乞丐、流浪者和农夫的风俗画等，这些作品同样引人注目，使他在后世享有伟大画家的声望。牟尼罗将前人惯用的题材加以创新，成为自己独特的风格，自17世纪欧洲巴洛克绘画时代就享有盛名，影响逐渐扩及全欧洲。

前苏联多次发行西班牙画家牟尼罗绘画作品为题材的邮票，如《拿花果篮的乡村少女》、《男孩与狗》、《圣母玛利亚升天》等，这在后面几页集邮专题文章中作介绍。

巴洛克时期的经典音乐 以洛可可式风格而结束

　　巴洛克时期是西方艺术史上的一个时代，大致为17世纪。其最早的表现，在意大利为16世纪后期，而在某些地区，主要是德国和南美殖民地，则直到18世纪才在某些方面达到极盛。巴洛克时期在18世纪随着它的独特风格转变为洛可可(Rococo)式风格而结束。

D大调卡农与吉格(德语：KanonundGigueinD-DurfürdreiViolinenundBassoContinuo)，也称约翰·帕赫贝尔卡农(Pachelbel'sCanon)，是德国作曲家约翰·帕赫贝尔最著名的作品。因为它是最著名的卡农乐曲，有时也常以“卡农”代指。然而实际上卡农(Canon)并非曲名，而是一种曲式。此曲还作为代表人类文明的成就之一，被美国国家航空航天局通过旅行者(Voyager)无人太空船送入太空。

10幅巴洛克及洛可可时期世界名画

　　安东尼奥·卢奇奥·维瓦尔第(意大利语：Antonio Lucio Vivaldi，1678年3月4日-1741年7月28日)，男，是一位意大利神父，也是巴洛克音乐作曲家，同时还是一名小提琴演奏家。主要作品有《四季》

读懂巴洛克和洛可可风格

约翰·塞巴斯蒂安·巴赫(JohannSebastianBach，1685年3月21日-1750年7月28日)，巴洛克时期的德国作曲家，杰出的管风琴、小提琴、大键琴演奏家，被普遍认为是音乐史上最重要的作曲家之一，并被尊称为“西方近代音乐之父”，也是西方文化史上最重要的人物之一。而这首《G弦上的咏叹调》是巴赫代表作品之一。此乐曲在巴赫死后100年后才大为流行。

如何区别洛可可风格和巴洛克风格?

这首曲子同样是由巴赫创作，这部曲子共分为78首分曲，真实地再现了耶稣被犹大出卖、被捕、受审、被钉十字架和被埋葬等场景。

文艺复兴和巴洛克时期有什么区别 两者之间式怎么区分的

　　提起西方艺术史总绕不开百花齐放之文艺复兴时期、华美靓丽的巴洛克时期。但是，观赏这两大经典时期的艺术时，有许多小伙伴仍旧傻傻分不清。

　　文艺复兴主要指14世纪-16世纪，欧洲掀起的一场以人文主义思想作为指导的复兴运动，旨在复兴古希腊、古罗马文化，同时反对中世纪宗教桎梏的进步革命运动。

　　由于“复兴古文化艺术”的背书，当时艺术家主要绘制宗教画，为了将画面表达得尽善尽美，他们在绘画和雕塑都强调三维立体的写实视觉效果。该时期重要的艺术家有达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔等。

论起文艺复兴代表作，比如米开朗基罗认真雕刻的《哀悼基督》

此时，艺术家为照顾到整体画面的每个细节，人物动作通常幅度较小，色彩明暗对比适中，画面表现得祥和稳重。

也可以说，文艺复兴时期艺术家在创作时像是“雨露均沾”，画面展开的是饱满式写实风。

文艺复兴立体感画作典范，还有达·芬奇耗时好久的《蒙娜丽莎》…

巴洛克和洛可可区别在哪里

巴洛克时期在文艺复兴之后，主要指17世纪。巴洛克名词原意是：“形状不规则的珍珠”。光听名字，似乎能感知巴洛克艺术“夸张华丽”的典型特征。而该时期重要代表人物也是举世闻名呀，比如鲁本斯、维米尔、伦勃朗等。

干货小讲堂|如何快速区分文艺复兴与巴洛克时期作品?

巴洛克时期艺术代表中，就有伦勃朗的《夜巡》

文艺复兴和巴洛克时期有什么区别两者之间式怎么区分的

以及维米尔的《带珍珠耳环的少女》…

　　乍一看，欧洲这两大时期艺术品都很写实，细节描绘逼真。但真相是，这些艺术品里面的规(tao)律(lu)与遵循原理皆各有千秋，你还能发现两者艺术基调明显不同。

文艺复兴时期：每个人有完整模样;巴洛克时期：配角就看不全面啦

透过风格基调看本质，仔细欣赏两大时期艺术画面细节，会发现又不一样。以文艺复兴拉斐尔为例，他的画作中人物/物体都要用线条勾勒描绘清晰，是典型的“线型风格”。放大看画面，你会发现每个人物可以单独勾边抠出来。

▲拉斐尔《雅典学院》-文艺复兴时期

巴洛克时期则在文艺复兴基础上，展开艺术上的自由发挥。以鲁本斯为例，他的画是“非线型风格”，画中人物/物体是不平等着力，彼此交融。

▲鲁本斯《圣家族和圣方济名》-巴洛克时期

此外，巴洛克时期最大特色就是光线感强烈。当你欣赏鲁本斯等同期的艺术家画作时，不自觉感觉像是一束耀眼光线照进了原本黑暗画面上，亮闪闪部分突出了“闪耀瞩目”的戏剧性。

鲁本斯画中重点突出部分，表情和动作尤为突出、光线明暗感对比强烈、色彩运用得浓墨重彩，异常吸睛。

▲鲁本斯《圣家族和圣方济名》细节-巴洛克时期

文艺复兴时期：讲究统一与秩序感;巴洛克时期：布局上“放飞自我”

文艺复兴时期画面在布局上注重和谐统一、秩序感，比如下面这幅《宝座上的圣母子和诸圣》，层次分明。整体以平行布局为主，以台阶为划分线，逐级递增绘制每一个平面上的人物，层层递进，秩序感极强。

▲拉斐尔《宝座上的圣母子和诸圣》-文艺复兴时期

相较于文艺复兴布局上的“正经”，巴洛克时期变得更随性洒脱。下面这幅鲁本斯画作中，不再遵循严格的对比平衡，人物中心布局与画框似乎形成对角线，逐渐向景深“退缩”，透过这样的“对折线布局+高光处理”主宰构图。

▲鲁本斯《维纳斯和阿多尼斯》-巴洛克时期

文艺复兴时期：封闭式风格;巴洛克时期：开放式风格

　　为了凸显画面的完整性，文艺复兴时期艺术创作是封闭式风格，就像是乖乖女作风，所有人物在画幅中达到平衡，给人舒适稳定的平和感。横看竖看，人物排版很规矩，赏心悦目。

▲拉斐尔《宝座上的圣母子和诸圣》-文艺复兴时期

　　巴洛克时期，艺术不必循规蹈矩，是开放式风格，这也体现了艺术家创作上的韵律感。人物不单单局限在画框中，且边界的描绘充满了张力，若隐若现，给人无限的遐想空间。

▲鲁本斯《圣家族和圣方济名》细节-巴洛克时期

文艺复兴时期：选题以宗教为主;巴洛克时期：选题自由发挥

文艺复兴时期虽是一场大型反封建的人文运动，提倡以“人权”反“神权”，但当时宗教势力十分强大，教皇拥有巨大权利，所以艺术家不得不以含蓄的表达方式去崇尚人性，他们在创作时仍借助神话、宗教故事为灵感载体，创作上却添加了自己的人文关怀。该时期的画作虽披着“宗教的外衣”，但也表达出了艺术家对美好生活的希冀，更偷偷显露出对禁欲主义的反抗;

而巴洛克时期在文艺复兴基础上，既有宗教特色又有享乐主义、浪漫主义色彩，同时也关注作品的空间立体感。这时的艺术家充满想象力，更爱表达画面戏剧冲突感，不再一味追求画面整体的和谐美。他们把重心都放在强光照射处的突出表达，画面边边角角通常是做了景深感的暗化处理。

▲文艺复兴时期拉斐尔画作VS巴洛克时期鲁本斯画作

清晰认知后，再来看2个时期的画作，才能更加读懂为何文艺复兴时期的米开朗基罗绘制教堂天顶爱从宗教神话找灵感?创作上他力求写实，每个人物都刻画得细腻逼真，似乎谁都可以是主角;

▲文艺复兴时期米开朗基罗绘制的西斯廷天顶画

与此同时，似乎更能明白，身处文艺复兴时期的达芬奇，即使在创作草稿图时，都力求写实、凸显画面立体感…

▲文艺复兴时期米开朗达芬奇创作《安吉里之战》草稿

而巴洛克时期的如鲁本斯，每幅画都像是自带闪光灯，画幅表现得对角线布局原理，恰恰也是由于灯光从侧面照射效果导致;

同时期伦勃朗的画，画面突出部分靓丽光感来凸显主人公的“内心戏”，用色鲜亮，整体也顺应了这个时代的审美。

▲巴洛克时期的伦勃朗《书房中的女神密涅瓦》，曝光度强，明暗处理张弛有度

▲巴洛克时期的伦勃朗《克劳丢斯·西菲利斯的密谋》，一道明亮光线穿过桌面，给人极强的震撼感

当然，文艺复兴和巴洛克时期其艺术特点只是当时热门的主流方向，却不影响其它文化自我形成的个性风格。

曾经萃花温馨提醒大家，以上总结的套路，不一定适用于两大时期的每幅画。举个栗子，虽然巴洛克时期大家注重突出画面戏剧部分，而减轻了暗光处笔墨描绘，但当你欣赏同时期维米尔画作，会发现画中每一个角落他都会细腻刻画，暗光景深细节也处理得近乎完美。

巴洛克时期的特征有哪些 主要分别是什么样的

　　巴洛克时期的作品在风格上极为复杂，但一般来说，反映了力图寓感情于具有感性吸引力的形式之中的愿望。最常见的特点是气势雄伟，生气勃勃，有动态感，气氛紧张，注重光和光的效果，擅长于表现各种强烈的感情色彩和无穷感，颇有打破各种艺术界限的趋势。巴洛克时期艺术的庄严高贵特点，来自文艺复兴时期所发扬的古典古代艺术精华，同礼教观念的约束作用的结合。

巴洛克时期风格的产生同反对“国际风格主义”的学院派抽象特点有关。罗马的早期巴洛克画家主要有卡拉齐(AnnibaleCarracci)和卡拉瓦乔(Caravaggio)。意大利的巴洛克雕塑家和建筑师首推贝尔尼尼(GianLorenzoBernini)。

路易十四风格，即“王室官方风格”，可以说是意大利巴洛克的一种古典化翻版，普桑(NicolasPoussin)是法国17世纪最伟大的画家，作品高雅、严肃、合乎逻辑、有条不紊，因而忠实体现了古代艺术风格，形成法国巴洛克的特点。

研究法兰德斯的巴洛克风格，最好从鲁本斯(PeterPaulRubens)的绘画着手，他创作了大型的祭坛画和神话作品，并且设计了一系列构思周密的宫廷画和寓言画组画。

　　在荷兰，类似鲁本斯这样的一批早期大师曾在意大利学习，亲身了解了意大利巴洛克。此外还有一批现实主义的风景画家、静物画家、海景画家、肖像画家、家庭内景画家和教堂内景画家，以及如维美尔(维米尔)(Vermeer)和林布兰特(Rembrandt)这样出类拔萃的大师。在西班牙出现了像委拉斯开兹(Velazquez, 1599～1660)这样杰出的大师。

在音乐方面，艺术史上最显著的一个转折点发生于17世纪初的意大利。古代风格虽然继续风行，但后来仅用于圣乐，而现代风格则逐渐用于非宗教音乐。由于音乐语汇的扩大、圣乐与非宗教音乐之间、声乐风格与器乐风格之间以及民族之间的差异日益明显。因此，音乐领域中的巴洛克时期，如同其他艺术领域一样，也体现了各种不同的风格。这段时期的音乐中没有太多的思想，讲究韵律的优美。歌剧、清唱剧和大合唱是声乐方面最重要的一些新形式，而奏鸣曲、协奏曲和前奏曲则是为器乐而创作的。

　　在英国，继斯图亚特王朝时期的假面剧盛行之后，有亨德尔(1685～1759)在声乐方面所取得的成就。亨德尔生于德国，在意大利受过音乐训练。而与他的同代人巴赫(1685～1750)随后在德国把巴洛克圣乐推向了高潮。德国其他的著名巴洛克作曲家有许茨(Heinrich Schutz, 1585～1672)、柏格兹特胡德(Dietrich Buxtehude,

葡萄牙语baroque原意为不圆的、形状不规则的珍珠，现指欧洲17世纪和18世纪初期豪华的建筑风格。音乐家借用此语概括地说明同一时期的音乐风格。

旋律特点：乐句长度不一，气息较长，无论是声乐还是器乐，旋律都空前地华丽复杂，有相当多的装饰音和模进音型。和文艺复兴时期的旋律一样，曲调的进行常常带有形象化、象征性特征。引人注目的是旋律中有明确的和声属性。

节奏：主要分为自由节奏的和律动鲜明、规整的这两种节奏。前者用于宣叙调、托卡塔、前奏曲等，后者用于咏叹调、赋格、舞曲等，在一个乐章中会保持始终。这两种节奏常常搭配使用，如宣叙调与咏叹调，前奏曲(或托卡塔)与赋格。

调式：大小调体系，它已取代了过去的“教会调式”。

和声：已形成了完整的以主、属、下属为中心的大小调功能和声体系，利用不协和音作调性转换并使和声进行富有动力和情感色彩。十二平均律在17世纪的发明与和声体系的充分发展有密切的关系。

巴洛克时期特有的作曲手段。在键盘乐器(通常为古钢琴)的乐谱低音声部写上明确的音，并标以说明其上方和声的数字(如数字6表示该音上方应有它的六度音和三度音)。演奏者根据这种提示奏出低音与和声，而该和弦各音的排列以及织体由演奏者自行选择。

　　织体：复调织体占主要地位，其写作技术达到了空前绝后的高峰。与文艺复兴时期的复调不同之处在于它是在功能和声基础之上的对位。同时也有许多作品采用主调织体。

曲式：以相互间形成节奏、速度、风格对比的多乐章结构为主，如组曲、变奏曲、协奏曲、康塔塔、清唱剧等，常用前奏曲与赋格、宣叙调与咏叹调的搭配关系。复调乐曲的内部结构是以模仿手段写作的连续体(不分段)，但可看出明确的呈示、发展和再现因素。同时也有分段结构、变奏曲、在固定低音旋律之上进行变奏的帕萨卡利亚、夏空形式。

主要的音乐体裁：声乐：弥撒、经文歌、众赞歌、歌剧、清唱剧、康塔塔、受难乐以及各种独唱、合唱曲。器乐：托卡塔、前奏曲、幻想曲、赋格曲、变奏曲、组曲、奏鸣曲(以独奏奏鸣曲与三重奏鸣曲为主)、协奏曲(管弦乐协奏曲、大协奏曲、独奏协奏曲)。

情绪特点：在一个乐章之内保持一种基本情绪,在乐章与乐章之间才形成对比。

力度表现：不追求渐强和渐弱的细微变化，而是采用较为清晰的“阶梯式力度”。

　　歌剧(Opera)诞生于16世纪末、17世纪初诞生于意大利的佛罗伦萨。由巴迪宫廷的卡梅拉塔会社(camerata，意为俱乐部或小集团)成员巴迪、温琴佐.伽利莱伊以及佛罗伦萨学者梅在经过大量的对古希腊悲剧研究的基础之上诞生的。音戏剧的结合可以追溯到古代，包括古希腊悲剧、中世纪的仪式剧、宗教神秘剧、奇迹剧，文艺复兴的牧歌套曲、田园剧、幕间剧等形式。幕间剧是在戏剧两幕之间演出的有音乐的短剧。田园剧是传奇题材或乡村题材的带有音乐的舞台剧。

　　历史上第一部歌剧是1597年由里努契尼写剧本、佩里作曲的《达芙尼》，取材于希腊神话。但乐谱已遗失。现存的第一部歌剧是1600年里努契尼写剧本、佩里和卡契尼作曲的《优丽狄茜》。取材于希腊神话。 在最早的歌剧中音乐形式是声乐部分以接近于朗诵的宣叙调为主，由少量乐器伴奏，采用通奏低音。音乐形式较为简单。

巴洛克时期服装的主要特点

蒙特威尔第(Monteverdi)的歌剧主要是加强音乐性和情感表达。具体做法是将宣叙调的旋律线条拉长，使其具有歌唱性，并与短小的歌曲、二重唱和牧歌式的重唱交替，形成对比。他采用较大规模的乐队伴奏，并通过弦乐器的震音、拨弦以及不协和和声的运用造成强烈的戏剧性效果。在歌剧中加入器乐段落，如一开始的“托卡塔”(即后来的序曲)、中间的舞曲等。歌剧的基本模式正是在他的创作中形成的。蒙特威尔第的两部代表作是《奥菲欧》(或译作《奥尔菲斯》)、《阿丽安娜》。

继蒙特威尔第之后，17世纪威尼斯歌剧的代表人物(歌剧领域的威尼斯乐派)是蒙特威尔第的学生卡瓦利(Cavalli,)、切斯蒂(Cesti,)。

18世纪意大利拿坡里(那不勒斯)歌剧(拿坡里乐派或那不勒斯乐派)主要代表人物阿·斯卡拉蒂(AlessandroScarlatti,)。他重视音乐在歌剧中的抒情作用，强调咏叹调的表现力，创立了ABA形式结构，称作“返始咏叹调”或称“再现咏叹调”(dacapoaria)。他的乐队更加完备，还创立了“快-慢-快”的歌剧序曲(当时称作“交响曲”sinfonia)。

拿坡里歌剧的特点是注重独唱者声音的美感和音乐外在的效果，追求音乐语言和形式的程式化，音乐织体较简单，主要是独唱旋律和简单的和声伴奏。缺点是缺少真实性和戏剧力度。这种倾向导致了歌剧在18世纪的衰败。

宣叙调在歌剧(或清唱剧)中用于人物对话和剧情发展,其旋律接近于朗诵，咏叹调用来抒发人物感情并表现演唱技巧，音乐优美华丽，音域较宽。

白话朗诵宣叙调是只用羽管键琴和一件低音乐器伴奏的宣叙调，主要用于大段的对话和独白。带伴奏宣叙调采用乐队伴奏，用于紧张的戏剧性场面，由于它在某中程度上带有咏叹调特点，因此又称之为咏叙调(arioso或recitativoarioso)。“DaCapoAria”(返始咏叹调)是ABA三段式咏叹调，再现时可以随歌手喜好加上一些自由的炫技。

法国歌剧是十七世纪从意大利传入后，立即带上了法国化特征：重视宣叙调，在其中突出了法语特有的韵律和节奏感;在歌剧中加进大量舞蹈场面;舞台装饰极为华丽，表现帝王生活的气派;歌剧序曲采用与意大利相反的速度安排：慢——快——慢。奠定了法国歌剧形式的是原籍意大利的吕利(Lully，)。法国作曲家拉莫。作有大量歌剧和古钢琴作品，但更重要的是在1722年发表了《和声基础理论》，为现代和声理论奠定了基础。

英国歌剧创作的代表人物是。浦赛尔(Purcell，)，代表作是《迪东和伊尼》。

德国“歌唱剧”(singspiel)。有对白的德国民间喜歌剧，音乐带有鲜明的民族特色。对德国歌剧的发展有重要影响。

清唱剧：将宗教或史诗题材的歌词谱曲，音乐形式包括独唱、重唱、合唱和管弦乐，在教堂或音乐厅演出。与歌剧不同之处在于清唱剧没有复杂的舞台装置和戏剧动作表演。受难曲：音乐形式与清唱剧一样，在题材上集中于基督耶稣受难(钉十字架)的故事。康塔塔：也译作大合唱，是带有独唱、重唱、合唱及管弦乐的体裁，内容有宗教的也有世俗的。与清唱剧一样的是没有舞台装置和戏剧动作表演。

文学方面可以称为具有巴洛克特点的代表作是意大利马里诺(GiambattistaMarino)、西班牙贡戈拉(LuisdeGongora)和德国奥皮茨(MartinOpitz)三人的著作。英国的形而上学诗歌，主要是但恩(JohnDonne)的许多诗歌同巴洛克文学有密切的联系。

巴洛克时期简介 历史上对艺术的影响有哪些

　　巴洛克时期是西方艺术史上的一个时代，大致为17世纪。其最早的表现，在意大利为16世纪后期，而在某些地区，主要是德国和南美殖民地，则直到18世纪才在某些方面达到极盛。

巴洛克时期在18世纪随着它的独特风格转变为洛可可(Rococo)式风格而告结束。

西方艺术史上的一个时代，大致为17世纪。其最早的表现，在意大利为

16世纪后期，而在某些地区，主要是德国和南美殖民地，则直到18世纪前期才在某些方面达到极盛。

巴洛克时期在18世纪随着它的独特风格转变为洛可可(Rococo)式风格而告结束。

关于baroque一词的起源，公认的看法是源出葡萄牙语barroco(西班牙语也为barroco)一词，意为“不合常规”，特指各种外形有瑕疵的珍珠。法语形容词baroque由伊比利亚语派生而成，后从法语原封不动地移入英语。

17世纪末叶以前最初用于艺术批评，泛指各种不合常规的，稀奇古怪的，因而也是离经叛道的事物。

到18世纪用作贬义，一般是指违反自然规律和古典艺术标准的做法。

巴洛克时期出现的艺术形形色色，所以必须按照这个时代的比较广泛的各种文化倾向去探索它们的统一特性。就对艺术的影响来说，当时有三种文化倾向最为重要。

　　第一种是反宗教改革运动的出现，这股势力不论在地区方面还是思想方面都正日益扩大。巴洛克艺术中的许多不朽之作，特别是意大利绘画和建筑中的许多作品，可能同教会所采取的新的宣传态度直接有关。

　　第二种是君主专制政体的巩固，随之产生强大的中产阶级，对艺术的发展起了促进作用。从法国王朝建造凡尔赛的宫殿和花园以及中产阶级发展绘画市场，可以窥见当时某些政治和社会发展对艺术的影响。

第三种是在科学发展和对地球进行探索的影响下，对大自然产生了新的兴趣。这两方面的活动促使人类对自身有了新的看法，一方面觉得自己微不足道(特别是受了哥白尼地球不是宇宙中心这一论点的影响)，另一方面又感到自己神圣伟大，因为在知识方面有了重大突破。总之，这些文化倾向连同它们在艺术中的反映，形成了艺术史家斯特乔(WolfgangStechow)所谓的宗教势力和非宗教势力共同保持的一种基本上令人乐观的新的均势。

　　巴洛克音乐风格论文

　　[摘 要] 巴洛克音乐风格的研究在西方音乐史中占有非常重要的地位，而维瓦尔第是巴洛克时期著名的小提琴家，他对巴洛克音乐风格的巩固和发展作出了突出的贡献。

　　《a小调协奏曲》第一乐章是一首典型的巴洛克音乐风格的作品，此曲无论在音乐主题发展、节奏旋律力度等方面对研究巴洛克音乐风格都具有特殊的地位。

　　通过对巴洛克时期一部代表性音乐作品多方面的分析，让更多的人了解巴洛克时期的音乐风格，并且在最后还特别提到培养人们欣赏巴洛克音乐的方法途径，从而更好地推动巴洛克音乐风格的延续与发展。

　　[关键词]巴洛克音乐风格 《a小调协奏曲 》第一乐章 延续与发展

　　巴洛克音乐充满了活力，宏伟壮丽，表现了17至18世纪上半叶欧洲社会勇于探索知识，勇于塑造新世界的精神。

　　巴洛克艺术代表着一个时代的精神，西方史学家称这个时代的艺术是“先知的号角”，巴洛克音乐则是这个号角最直接的声音了。

　　维瓦尔第所处的时代属巴洛克晚期，这个时期器乐表现形式发展迅速，上升到与声乐同等重要的地位。

　　这时，小提琴音乐的发展尤为迅猛，协奏曲的演奏定型很大程度上完成在维瓦尔第小提琴协奏曲上。

　　《a小调协奏曲》第一乐章是维瓦尔第数百部小提琴协奏曲中极少的而现在仍在演奏的曲目之一，这首协奏曲完全可以视为巴洛克音乐风格的代表，巴洛克音乐的一切特点它都具备。

　　一、巴洛克音乐风格的概况

　　(一)巴洛克音乐风格的产生

　　文艺复兴时期的艺术讲究清晰、统一和协调，但至16世纪末期，艺术中感情的因素日益增加，明净清澈和完美的形式被表达感情的需要所压倒。

　　于是，巴洛克风格应运而生。

　　(二)巴洛克音乐风格的特点

　　1.巴洛克时期音乐的旋律乐句长度不一，气息较长，无论是声乐还是器乐，旋律都空前地华丽复杂，有相当多的装饰音和模进音型，曲调的进行常常带有形象化、象征性特征。

　　巴洛克时期音乐的节奏主要分为自由节奏和律动鲜明、规整的节奏。

　　这两种节奏常常搭配使用，如宣叙调与咏叹调，前奏曲(或托卡塔)与赋格。

　　2.巴洛克音乐采用大小调体系，它已取代了过去的“教会调式”。

　　巴洛克时期的曲式以相互间形成节奏、速度、风格对比的多乐章结构为主，复调乐曲的内部结构是以模仿手段写作的连续体(不分段)，但可看出明确的呈示、发展和再现因素。

　　3.巴洛克时期音乐的情绪在一个乐章之内保持一种基本情绪，在乐章与乐章之间形成对比。

　　巴洛克时期音乐的力度不追求渐强和渐弱的细微变化，而是采用较为清晰的“阶梯式力度”。

　　二、解析《a小调协奏曲》第一乐章

　　维瓦尔第昵称红发神父，是一位巴洛克音乐作曲家，同时还是一名小提琴演奏家，其最著名的作品为《四季》。

　　他的音乐天才启迪了后来的巴洛克大音乐家，尤其是他丰富的作品和新颖的、科学的歌剧创作方法，刺激了现代意大利作曲家的好奇心。

　　维瓦尔第的作品不胜枚举，现存有近500部协奏曲、90首独奏和三重奏鸣曲、49部歌剧及许多康塔塔、经文歌和清唱剧等，但对后世影响最大的还是他的协奏曲。

　　维瓦尔第首创了小提琴协奏曲体裁。

　　作为卓越的小提琴家，他发展了小提琴的演奏技术(高把位、快速音阶、持续的琶音、双音、拨奏等)，丰富了小提琴的表现手段(加弱音器、弓法的变化)。

　　(二)此曲的历史文化内涵

　　《a小调协奏曲》第一乐章具有典型的巴洛克音乐风格。

　　巴洛克时期经历了欧洲史上动荡的.一个半世纪，这个时期差不多从1600年歌剧的诞生到1750年巴赫的逝世结束。

　　这是一个变革和冒险的时代：对新大陆的征服激起了各种想象，并为旧大陆开辟了新的财源;中产阶级在与贵族的斗争中积蓄了财富和权利;帝国为争霸世界而战争;令人震惊的贫困和挥霍无度的奢华，高贵的理想和野蛮的压迫形成了对立矛盾。

　　诸如此类的矛盾使得巴洛克艺术宏伟壮观。

　　这种艺术在造型和观念上都是大胆的，它雄伟，富于装饰性，充满了活力。

　　巴洛克时期的欧洲，除了英国等少数国家确立了君主立宪制的资产阶级专政以外，大部分国家(德国、意大利、法国等)和地区还处在黑暗、腐朽的封建专制社会。

　　苦难往往滋生宗教。

　　为了争夺传教阵地，天主教与基督教的对抗一直延续到17世纪。

　　18世纪中叶，启蒙主义者举起理性的旗帜，用科学知识向宗教神学宣战。

　　自中世纪以来，宗教艺术一直占统治地位。

　　直至文艺复兴时期，世俗艺术才得以发展。

　　巴洛克艺术家不仅受雇于教堂、宫廷，也乐于为有钱的人效劳。

　　他们的作品不仅宣扬宗教的神圣，歌颂王朝的之尊，也描绘世俗生活的快捷，抒发人性之美;既宏伟辉煌，充满神秘气息，又精巧细腻，抒发内心情感。

　　新教的文化植根于圣经，更加突出人的地位，这无疑使巴洛克艺术增添了人文精神和浪漫气息;反宗教改革运动引起了狂热的情绪，又促使艺术创作的手法更为夸张，作品更具有动势和戏剧性;启蒙思想崇尚自然，追求生活中的惬意与心灵的解放，因此许多艺术家都喜欢以自然为题，作品情景交融，装饰性较强。

　　(三)此曲对研究巴洛克音乐风格的代表性

　　《a小调协奏曲》第一乐章是一首典型的巴洛克音乐风格作品，采用小调式取代原来的“教会调式”。

　　此曲在音乐主题的重复发展、连续不断的旋律、阶梯式力度等方面把巴洛克音乐追求的宏大的规模，雄伟、庄重、辉煌的效果表现得淋漓尽致。

　　此曲是一首a小调协奏曲，旋律优美，在情绪的层层变化中透出小调的柔和。

　　2.单一的音乐情绪

　　《a小调协奏曲》第一乐章采用弱起小节。

　　从乐曲一开始就出现了音乐主题(如谱例1)，独具特色的节奏和旋律不禁让人产生紧张、辉煌的情绪;在乐曲的中间，紧张、辉煌的音乐主题再次出现(如谱例2)，再一次达到乐曲最初兴奋紧张的感觉，以此引起听众的注意，抓住听众的心理，从而推动乐曲的继续发展;乐曲最后，相同的音乐主题又一次出现(如谱例3)，让听众在回味和幸福中结束乐曲. 　　正是因为主题的重复出现，听众才得以感觉自己参与乐曲的始终，兴奋紧张的情绪一直伴随着自己，为此油然而生一种身临其境的感觉，而作曲家也达到影响了听众，指引听众积极生活的目的。

　　这正是巴洛克时期音乐的显著特点。

　　3.规整的音乐节奏

　　《a小调协奏曲》第一乐章从乐曲一开始，音乐主题就伴随着典型节奏而出现。

　　全曲是由八分音符和十六分音符组成的节奏型来发展的，其中以连续的前八分音符后八分音符和连续的前八后十六音符的同时出现组成的音乐主题为主要推动力;中间十六分音符组成的四连音(如谱例4)又推动了乐曲一步步地向前发展。

　　听众也因此产生源源不断的力量，情绪达到一个个的小巅峰，不会产生厌倦的情绪。

　　音乐上连续扩展的原则是构成巴洛克音乐风格的要素之一。

　　《a小调协奏曲》第一乐章利用主题的重复出现，一次次地调动听众的紧张情绪，在吸引听众中发展此曲;全曲不仅利用极具特色的前八后十六动力型节奏，还采用均匀的四连音节奏型，在动与静中发展此曲;在弓法上大部分采用分弓，增强了气势，连续的小连弓又增添了旋律的对比性，更好地丰富了乐曲。

　　巴洛克音乐强调音乐的起伏变化。

　　巴洛克音乐在进行时采用一个相当稳定的音量，一个始终响亮的乐段后面跟上一段始终低柔的乐段，以此造成明暗对比的效果。

　　这种从一个响度到另一个响度的转换叫阶梯式力度。

　　巴洛克作曲家则把弱音乐段与强音乐段的对比，也就是声音响度的两个阶梯的对比当做主要的表现手法，每一个乐段形成一个固定的色彩区域，用以衬托另一个乐段。

　　根据这种观念形成了音乐结构，赋予巴洛克音乐一种极为朴素的性质。

　　巴洛克作曲家所使用的表情记号要比后来的作曲家所使用的少得多，这个时期的音乐作品只是偶尔标注一个强奏或弱奏记号，而让演奏者去补充其他任何可能必要的记号。

　　《a小调协奏曲》第一乐章无处不显现出这种阶梯式力度的发展(谱例4和六种就可以充分地显现出)，使乐曲在动静中一步步地向前发展。

　　从全曲的谱面上可以看出此曲几乎没有音乐术语的标记，这一点正印证了在巴洛克时期人们追求自由的精神面貌。

　　三、如何推动巴洛克音乐风格的延续与发展

　　理想的学习状态最关键的是学习者要先深呼吸，然后再听巴洛克音乐，这种特别的音乐，其特定的每分钟50